Твоя палитра

DjVu

      Полный текст книги

      ПЕРВАЯ ЧАСТЬ
     
      Стройные высокие деревья протянули над аллеей свои причудливые темные зимние ветки. Повсюду лежит белый снег. Сад необыкновенно красив и немного таинствен, как в волшебной сказке. Он весь сверкает морозным, серебристым инеем. Деревья кажутся особенно высокими, потому что внизу, на заснеженных дорожках, изображены совсем маленькие фигурки взрослых и детей. (См. иллюстрацию II в конце книги.)
      Так нарисовал ленинградский мальчик Володя Коваль. Он очень хорошо сумел показать морозный день, когда под ногами скрипит снег, а кругом тихо, не шевелясь, стоят деревья, будто боясь сбросить с себя свой блестящий снежный наряд. Легко представить, как однажды зимой прибежал Володя в Михайловский сад и вдруг остановился, изумленный его красотой. Придя домой, он нарисовал то, что запомнилось ему.
      Желание передать линиями и красками окружающий мир появилось у человека очень давно. 30 тысяч лет тому назад в древнем каменном веке люди не умели ни читать, ни писать, но они умели рисовать.
      Человек тогда не пахал землю и не сеял, а охотился на диких зверей, и его жизнь зависела от удачной охоты. Поэтому животные интересовали людей больше всего.
      Воображение человека было поражено огромными зверями, за которыми он охотился. В глубине своей пещеры он подбирал уголь от погасшего костра и в полутьме на стенах изображал в натуральную величину бизонов, медведей, оленей с ветвистыми рогами.
      Нас изумляет искусство, с каким нарисованы эти животные. Острота глаз у первобытного человека была необыкновенной — как верно он подмечал повадки животных, их движения.
      Первобытные охотники верили, что изображения зверей имеют магическую силу и могут принести хорошую добычу. Перед пещерными рисунками они совершали обряды для того, чтобы охота была удачной.
      Иногда художник рисовал бизона и на теле его очерчивал сердце. Он учился попадать в это сердце, стреляя в него из лука, как в мишень.
      Не только животных рисовали художники каменного века. На грубых сводах их жилищ можно увидеть изображения охотников, стреляющих из лука, а иногда танцующих людей. Трудно поверить, что эти рисунки создавались в такие далекие времена. Как правило, они были выполнены углем, красной охрой и темно-красным железняком.
      Эти краски люди уже тогда умели находить в земле.
      Впервые рисунки первобытных людей были обнаружены в конце прошлого века в пещерах Северной Испании.
      Потом стали попадаться изображения животных, выбитые на камнях. На Ангаре есть целые скалы, сплошь покрытые ими. Наскальные рисунки нашли и в Африке, и в Карелии, и во многих других местах.
      Под Свердловском есть Капова пещера. Ее назвали «Наскальный Эрмитаж» из-за большого количества рисунков на стенах.
      На протяжении всей истории рядом с человеком всегда шло искусство. Проходили века, преображалась жизнь, одна эпоха сменяла другую, но люди продолжали создавать статуи и картины, искусные изделия из кости и дерева.
      Мы привыкаем к миру, в котором живем, и многое перестаем замечать. А у художника острый взгляд. Он видит то, что нам с тобой, может быть, и не бросится в глаза, но что очень характерно и важно. Художник помогает нам постигать мир. В самых простых, казалось бы, вещах, в обыкновенной природе, знакомой нам с детства, художник открывает новую красоту, и мы стоим перед ней пораженные.
      Есть у художника Левитана картина «Березовая роща». В ней изображен только кусочек леса — всего несколько берез и трава. Незатейливый, простой уголок природы. Но сколько прелести в нежных бело-розовых стволах берез, какие яркие солнечные блики играют на листьях, на траве! Смотришь и, кажется, видишь: вот пролетела с жужжанием пчела... и будто чувствуешь, как пахнет согретая солнцем листва. И ты думаешь: «Как часто я сам бывал в лесу, но никогда не знал, что он может быть так красив».
      Древнегреческий скульптор Фидий, живший в V веке до нашей эры, изваял статую Зевса из золота и слоновой кости. Статуя не сохранилась до наших дней, но остались книги, в которых она описана. Из них мы узнали, что люди, у которых было горе, приходили к статуе и находили утешение, глядя на лицо Зевса, — таким оно было добрым и прекрасным.
      Искусство — это мир человеческих чувств и мыслей, и поэтому оно волнует и трогает нас.
      Произведения искусства раскрывают не только красоту природы и человека. Они говорят и заставляют нас думать о правде, о добре и зле, о несправедливости. Вероятно, не одно поколение людей, приходивших в Третьяковскую галерею, смотрело с болью и негодованием на «Бурлаков на Волге» Репина.
      И разве не испытывали они гнев, когда стояли перед картиной Ярошенко «Всюду жизнь»? А какой щемящей грустью наполняется сердце, когда видишь «Владимирку» Левитана — дорогу, по которой угоняли на каторгу людей, боровшихся за счастье народа.
      Умение наслаждаться искусством приходит не сразу. Не сразу открывается неопытному глазу красота картины. Может быть, и ты проходил по залам музея, смотря то на один холст, то на другой, и тебя занимало лишь его содержание. Но разве это все, что есть в картине?
      Для того чтобы лучше почувствовать произведение живописи, надо научиться понимать язык красок и линий. Ведь и художнику одного вдохновения мало, чтобы создать произведение искусства. Многие годы он учится рисовать и писать красками.
      В этой книге ты прочтешь о некоторых особенностях творчества художников, и оно станет тебе более понятным. А если ты рисуешь сам, то эти знания помогут тебе в работе.
      В картине «Мадонна из благовещения» (см. иллюстрацию IV) все непривычно для нас. Ее написал итальянский художник Симоне Мартини, живший в XIII веке. Он изобразил мадонну. Это религиозный сюжет, но в ту пору всё, что писали художники, было связано с религией.
      В течение долгого периода средневековья церковь безгранично властвовала над людьми. Она подчиняла себе всю жизнь, все людские помыслы и дела. Искусство служило тогда только для украшения церкви и прославления бога.
      Фигура мадонны немного удлиненная, голова мечтательно склонилась набок, безвольно опущенная рука кажется неживой. Так писали художники в XIII и XIV векал. Они рисовали святых бесплотными: под складками их одежд не чувствовались кости и мускулы, потому что художники не знали строения человеческого тела. Заниматься анатомией человека считалось большим грехом и жестоко наказывалось.
      Церковь учила, что бог велик, человек же ничтожен и грешен. Он должен страдать на земле и отказываться от всех земных радостей во имя загробного блаженства. Вот потому-то итальянские художники в то время как будто забыли о природе. На их картинах нет ни неба, ни земли, ни деревьев — ничего, что напоминало бы людям о жизни. Картины писались на золотом фоне, как иконы.
      Но время шло, и все постепенно менялось. Росли и богатели новые города, развивались ремесла.
      Итальянские мореплаватели уходили в далекие путешествия, открывали новые земли. Возвратясь домой, путешественники рассказывали о разных заморских странах. Представления людей о мире удивительно расширились.
      И вот наступила эпоха Возрождения. Это был период, когда наука и искусство достигли необычайного расцвета, когда трудно было найти в Италии людей, не увлекавшихся искусством.
      Отношение человека к миру, его взгляд на людей, на то, что хорошо и что плохо, называется мировоззрением. В эпоху Возрождения, борясь со старым, церковным, возникло новое мировоззрение, которое мы называем гуманизмом. Слово это происходит от латинского «гуманус», что значит буквально — «человечный». Гуманизм принес с собой любовь к человеку, преклонение перед красотой его тела и величием духа.
      Новая жизнь врывалась в мастерские художников. Не загробная, а земная. Художники теперь пристально изучали природу, стремясь правдиво передавать ее. Они отказались от золотого фона. И хотя по-прежнему картины писались на религиозные темы, но они уже были другими. Главным в них стал человек. Вместо святых художники изображали своих современников в обычной обстановке — так, как они видели их в жизни.
      Поначалу это было трудно для художников. Им не хватало знаний, которые помогли бы им. Природу они изображали очень наивно. Они не знали законов рисунка и живописи, необходимых в работе художника.
      Сейчас ты познакомишься с четырьмя незнакомыми словами. Некоторые из них ты, возможно, слышал, но значение их было для тебя неясным.
     
      ОТКРЫТИЕ АРХИТЕКТОРА
      На одном из холмов, окружающих со всех сторон Флоренцию, расположена небольшая площадь — Пьяццалле Микеланджело. С площади хорошо виден раскинувшийся город и в центре старинный Флорентийский собор Санта Мариа дель Фьоре, увенчанный огромным куполом. Красная черепица, покрывающая его, необыкновенно красиво выделяется на фоне синего неба.
      Собор был сооружен еще в конце XIII века, но не достроен. В 1417 году попечители собора пригласили итальянских, французских и немецких зодчих разработать проект купола. Эта задача оказалась под силу итальянскому скульптору и архитектору Филиппо Брунеллески. Его проект был простым и вместе с тем необычайно смелым. Изобретенные им механизмы позволили возвести огромный купол без помощи каких-либо лесов. Восхищенным современникам купол казался чудом и принес талантливому архитектору славу.
      Работая над чертежами купола, Брунеллески применил открытые им законы перспективы.
      Слово «перспектива» означает: «смотри вдаль». Это наука о том, как изображать на плоскости бумаги или холста предметы такими, какими мы видим их в природе.
      Посмотрим же, о чем говорят нам законы перспективы, разработанные впервые Филиппо Брунеллески. Вот один из них, и самый главный: чем дальше предмет, тем он кажется меньше.
      Ты и сам можешь проверить это. Если идти по улице, обсаженной деревьями, то постепенно, по мере удаления от тебя, деревья становятся всё меньше и меньше. Самое большое дерево вдали будет не больше твоего пальца. (См. иллюстрацию III.)
      Другой закон говорит о том, что горизонтальные параллельные линии, удаляясь от нас под каким-нибудь углом, постепенно сближаются и наконец сходятся в одной точке. Чтобы убедиться в этом, посмотри на рельсы железной дороги, на линии телеграфных проводов.
      Точка, в которой сошлись параллельные линии, называется точкой схода. Когда мы рисуем какой-нибудь пейзаж, улицу, дом, комнату, то в любом предмете или группе предметов будет точка, которая находится прямо против наших глаз. Если через эту центральную точку провести горизонтальную линию, то это и будет линия горизонта.
      Предметы, которые находятся выше линии горизонта, видны снизу, ниже линии горизонта — сверху. (См. рис. внизу.)
      Зная эти правила, художник может на небольшом листе бумаги нарисовать аллею, уходящую вдаль, улицу, внутреннюю обстановку комнаты. Он может также изобразить толпу. Фигуры на переднем плане будут крупнее, а следующие меньше и меньше.
      В науке о перспективе есть и другие законы, но эти два — главные. А с остальными ты познакомишься со временем.
      Филиппо Брунеллески еще и еще раз проверял свое открытие с помощью математики. Он стал брать уроки геометрии у математика и астронома Паоло Тосканёлли, друга Колумба, чертившего для мореплавателя карты его путешествий.
      Современники Филиппо рассказывают, что он был необычайно взволнован и потрясен своим открытием: наконец-то можно рисовать натуру такой, какая она в действительности.
      Ведь до того, пока неизвестна была перспектива, окружающий мир на картинах изображали как географическую карту, то есть плоско.
      Законы перспективы были радостно встречены художниками. Теперь, владея ими, они писали так, что в их картинах были пространство и глубина.
      У замечательного русского художника Василия Ивановича Сурикова есть картина «Боярыня Морозова». (См. иллюстрацию I.)
      Многие ребята, наверное, видели ее в Третьяковской галерее. Кто не видел, пусть обязательно посмотрит.
      Событие, изображенное на картине, происходило в XVII веке, в царствование Алексея Михайловича. Боярыня Морозова была фанатически привержена к древним церковным обычаям и противилась всяким новшествам, которые тогда вводила церковь. За это Морозова была сослана в монастырь. Суриков выбрал именно тот момент, когда ее увозят в изгнание.
      Боярыню Морозову художник поместил немного влево от центра картины. Она сидит в санях, высоко подняв тонкую руку, окованную цепью. Сани едут в глубь картины. Мы ясно ощущаем это движение и движение толпы вслед за санями. Бежит за ними мальчик, спешит женщина в белом платке — это княгиня Урусова, сестра Морозовой. Протянул руку, благословляя боярыню, старик юродивый.
      В картине все построено по законам перспективы. Фигуры на первом плане крупные, на втором плане они уже меньше. Дома вдоль улицы тоже постепенно уменьшаются и наконец как будто тонут в глубине, сливаются с небом.
      Мог ли художник, не знакомый с законами перспективы, раскрыть свой замысел, как это сделал Суриков в «Боярыне Морозовой»? Конечно, нет.
     
      ПОЧЕМУ ДАЛИ ГОЛУБЫЕ?
      Можно без конца ходить по улицам Флоренции, любуясь ее прекрасными памятниками и дворцами, построенными в средние века и в эпоху Возрождения. Узкая и прямая, как стрела, улочка Уффйцци выбегает на главную площадь города — пьяцца делла Синьории. С одной стороны ее замыкает старинный дворец — палаццо Вёккио. Стены его, сложенные из больших плит серовато-желтого камня, украшены сверху зубцами. Это придает зданию суровый вид крепости. Высоко к небу поднимается могучая башня.
      Перед дворцом стоит большая мраморная статуя Микеланджело «Давид». Один из майских дней 1504 года, когда ее устанавливали, превратился в большой народный праздник.
      В то время возле «Давида» всегда собирались художники, оживленно обсуждавшие достоинства статуи. Среди них часто можно было видеть высокого стройного человека в берете, с развевавшимся коротким красным плащом за плечами, с прикрепленным на цепочке у пояса небольшим альбомом с записями и эскизами.
      Это был великий итальянский художник Леонардо да Винчи.
      В конце книги (иллюстрация V) помещен автопортрет, на котором художник изобразил себя уже стариком с длинной бородой.
      Около 1482 года Леонардо закончил работу над картиной «Мадонна Литта». Склонив голову над сыном, сидит молодая мать. За полукруглым окном вдали синеют горы. Чем они дальше, тем светлее их окраска и все менее отчетливы очертания.
      Леонардо цровел детство среди красивой природы Тосканской провинции. Взбираясь во время прогулок на высокие горы, он наблюдал, как цветущие долины с виноградниками уходят далеко к светлому горизонту. И там вдали уже не отличишь, где земля, а где небо. Это поразило мальчика и запомнилось ему на всю жизнь. Когда Леонардо стал художником, он постоянно изображал в своих картинах эти голубовато-синие дали.
      Леонардо да Винчи был не только художником, но и ученым. Он доказал, что толща воздуха, сквозь которую мы смотрим вдаль, смягчает очертания и цвет предметов и придает им голубовато-серый или синий цвет в зависимости от освещения. Это явление получило название воздушной перспективы.
      Так два замечательных художника создали учение о перспективе. Законы эти и сейчас, спустя пять веков, почти не изменились, и все художники неизйенно пользуются ими, когда пишут картины или рисуют.
      Вот мы и узнали с тобой, что означает наше первое незнакомое слово — «перспектива».
      Над тихими каналами Амстердама склоняются тяжелые ветви деревьев. Под тенью их, сгорбившись, бредет бедно одетый пожилой человек. Он погружен в свои думы, почти не замечает прохожих, да и редко кто приветствует его.
      Старик идет все дальше и дальше к окраине города и входит в узкую улицу с поэтичным названием «Канал роз». Но это квартал самых бедных, отверженных людей города.
      Он поднимается в маленькую, полутемную квартиру. Здесь, в нищете и забвении, живет гениальный живописец Голландии Рембрандт Харменс ван Рейн. Его картины сейчас являются величайшим сокровищем музеев.
      Не всегда он был беден и одинок. Много лет назад, в начале XVII века, когда Рембрандт начинал свой путь, он был всеми признанным мастером. Жизнь его была счастлива. У него была любимая жена Саския, сын Тйтус, дом, где, как в музее, были собраны различные произведения искусства, оружие, старинные вещи.
      Рембрандт работал с увлечением. В его картинах тех лет чувствуется радость и упоение жизнью. Художник любил изображать драгоценные камни, шелк, бархат, кружева. Он писал юную Саскию во всем блеске ее красоты и очарования, в нарядных платьях, счастливую и веселую, как он сам.
      Но с годами все изменилось. Голландское общество стало относиться к художнику все холоднее и холоднее.
      Что же произошло? Голландские обыватели ограниченные и самодовольные бюргеры, украшавшие картинами свои дома, любили, чтобы художники изображали веселые, занимательные сцены. Им нравилось, когда им льстили, рисуя их в пышных костюмах, в богато обставленных комнатах или за столом, ломившимся от еды.
      Но Рембрандт понимал, что жизнь далеко не для всех празднична. И его уже не чарует пышность богатства, внешняя красота. Он стремится постичь внутренний мир человека, понять характер, показать силу и благородство его духа. И он находит все эти мотивы в жилищах бедняков. Художник часто ходит туда, в убогие кварталы Амстердама, и наблюдает тяжелую жизнь их обитателей. Даже когда Рембрандт пишет картину на библейский сюжет, он изображает все тех же бедных людей. С большой любовью и теплотой относится к ним художник. Его привлекают старики с мудрыми лицами, на которых можно прочесть пережитые невзгоды и горе. Он пишет портреты старух со скорбными, но добрыми глазами, с натруженными руками. Глубже и правдивее становится его творчество. Но, увы, эти портреты никто не покупает. Его прежние восторженные почитатели — бюргеры, еще так недавно преклонявшиеся перед ним, с возмущением отвернулись от нового Рембрандта. Хочет писать бедняков — пусть, но они-то не хотят иметь с ним ничего общего.
      Долго, упорно работал Рембрандт над заказанным ему групповым портретом стрелков (то есть бюргерской милиции). Это замечательное произведение художник написал полным движения и света. В нем он стремился раскрыть образы героев Голландии, боровшихся за ее независимость. Он ввел в картину, кроме 17 портретов
      самих стрелков, несколько дополнительных лиц. Персонажи в картине не просто позируют, а все до единого заняты чем-либо: кто бьет в барабан, кто насыпает порох, кто заряжает мушкет. Лучи света кого-то освещают сильнее, а кого-то оставляют в тени. Некоторые фигуры лишь едва намечены, едва заметны. Всюду — на лицах и на предметах — играют блики. Вся картина как бы трепещет от наполняющего ее воздуха и света.
      Заказчики не поняли замысла художника и отвергли картину. Она стала предметом насмешек и очень подорвала и без того пошатнувшуюся популярность Рембрандта.
      Вслед за этим еще один страшный удар обрушивается на художника. Умирает его любимая Саския. Со смертью Саскии ее богатые аристократические родственники окончательно порывают с Рембрандтом всякие отношения. Но Рембрандт не огорчен этим. Шумный успех, внешний блеск его уже давно не привлекают. Смыслом жизни для него стало творчество. В этот период оно становится наиболее значительным.
      Художнику живется очень трудно. Все меньше становится у него заказов и покупателей, все больше долгов. Наконец наступает полное разорение: его имущество и ценнейшая коллекция продаются с аукциона. Рембрандт переселяется на окраину Амстердама.
      Несчастья продолжают преследовать художника. Умирает вторая жена, Хёндрикье, а вскоре и его сын Титус. Рембрандт остается совершенно один.
      Но несчастья не сломили дух художника. Он не отрекся от своих идей, не поступился ничем ради богатства.
      На портрете (см. иллюстрацию VIII) сын Рембрандта — Титус. Свет, льющийся слева, скользит по лбу, по завиткам волос, чуть касается кончика носа, потом спускается ниже, выделяя подбородок на темном фоне. Легкие тени лежат на лбу, около глаз и рта, делая лицо необыкновенно живым.
      Свет в природе падает на предмет неравномерно: если одна часть освещена, то другая остается в тени. Как звуки в музыке могут быть сильнее и слабее, так и краски, в зависимости от освещения, имеют разную степень яркости. В освещенных местах краски светлее, а в тени темнее. Между светом и тенью лежат полутени.
      Сочетание светлых и темных тонов называется светотенью. Светотень играет в живописи очень важную роль. Благодаря свету и тени художник может изобразить на плоскости круглые предметы. Или, как говорят художники, передать объемность предмета или человека. Свет и тень как будто «лепят» форму.
      Рембрандт в совершенстве владел искусством светотени. Потоком чудесного света озарены фигуры людей на его картинах. Они как будто окутаны живым, мягким сиянием. В освещенных местах свет искрится и сверкает как драгоценный камень. Необычайно тонко один тон переходит в другой. Полутени постепенно сгущаются и переходят в тени. Но даже глубокие тени написаны не одной краской, в них тысячи оттенков, и поэтому они кажутся нам прозрачными, полными таинственных отсветов. Контрасты света и тени придают картинам движение и трепет. В них одно из главных очарований искусства великого художника.
      Светотенью Рембрандт пользовался и в том случае, когда хотел выразить свои мысли. Для него ведь самое важное — внутренний мир человека. Чтобы подчеркнуть это, он пишет портреты на затемненном фоне. Один из лучших таких портретов — «Старик в красном». Луч света освещает лицо старика, вернее, часть лица и руки. Все остальное погружено в сумрак. Мы рассматриваем умное печальное лицо и видим на нем следы пережитых страданий. Как много говорят нам и эти старые, усталые руки.
      Светотень, так же как и перспектива, открыла перед живописцами новые пути.
      Раньше художники не умели передавать объемность. В Древнем Египте, например, людей изображали плоско. Намечали лишь контур, а потом заливали его равномерно одним цветом. Причем мужчин — красновато-коричневым, женщин — желтым. Голову рисовали в профиль, а тело, руки и ноги — в фас, будто мы видим их спереди.
      Светотень, особенно развившаяся в эпоху Возрождения, дала живописцам возможность изображать живой, реальный мир: глубину комнаты, пространство полей, мягкую округлость предметов, причудливую игру света и теней в природе.
      Итак, мы с тобой узнали второе слово — «светотень». Какое же третье?
      Лето 1887 года молодой художник В. А. Серов проводил в имении своих друзей Мамонтовых.
      Дочь Мамонтовых, милая и веселая Верочка, привлекла его внимание. Серов попросил ее позировать.
      Нелегко было живой, шаловливой девочке сидеть часами в комнате, когда все вокруг манило в сад. Но все же целый месяц позировала она художнику.
      Девочка-подросток сидит за столом, в руках у нее персик. Она глядит прямо на зрителя внимательными темными глазами, легкая улыбка затаилась в уголках рта. (См. иллюстрацию IX.)
      Мы смотрим на картину. Кажется, будто сама юность воплощена в ней, и нас охватывает ощущение необыкновенной поэтичности и свежести.
      Комната наполнена воздухом, пронизана солнечным светом, льющимся из окна и освещающим девочку.
      А сколько прелести в красках: розовая кофточка, черный бант, смуглое лицо, зелень деревьев за окном...
      Соседство этих, казалось бы, совсем разных цветовых отношений не режет глаз. Наоборот, нас радует то, как хорошо и тонко они соединяются друг с другом.
      На розовой кофточке лежат голубые и сиреневые блики. И в этом сочетании та же удивительная гармоничность.
      Художник очень искусно положил на полотно такие оттенки голубого и розового, которые прекрасно дополняют друг друга. А когда в картине все цвета согласованы, или, как говорят художники, найдены цветовые отношения, тогда и впечатление от картины будет единым.
      Вот эту согласованность цветов, то совсем различных, контрастных, то близких друг другу, мы называем колоритом.
      Внимательное наблюдение жизни, природы всегда помогало художникам в их работе. Так и с колоритом. Колорит художники увидели прежде всего в природе, которая таит в себе огромное богатство и разнообразие красок.
      Пойдешь ли ты в лес ярким, солнечным днем или пасмурной, осенней порой, ты увидишь, что цвет неба, земли, листьев — все это находится в полной гармонии.
      Есть цвета, которые легко сочетаются друг с другом, а есть более трудные сочетания, например, красного и синего, красного и зеленого. Художник должен подобрать такие тона этих двух цветов, которые не будут «спорить» друг с другом. Колорит придает картине необыкновенную красоту. Для художника чувство колорита ценный дар.
      Суриков в своей картине «Боярыня Морозова» необычайно ярко написал толпу. Люди одеты в старинные русские одежды: голубые, желтые, малиновые, расписанные цветным узором. Но, несмотря на обилие разных красок, ни одна из них не «кричит», как говорят художники, не выпадает из общего тона картины. Мы будто смотрим на все сквозь дымку морозного дня, и голубоватый воздух, наполняя пространство картины, смягчает цвета.
      Богатство красок в картинах Сурикова и Серова изумляет и радует. Они учат нас совсем по-иному смотреть на мир.
      Колорит нужен художнику не только для того, чтобы показать разнообразие цвета. Он подчеркивает содержание, идею картины, передает замысел и чувства художника.
      В «Девочке с персиками» все светло, радостно. Все говорит нам о молодости, о поэзии, о счастье жизни. И наоборот, в «Боярыне Морозовой» в светлом тоне морозного утра черный цвет одежды Морозовой звучит как тревога, как напоминание о ее трагической судьбе.
     
      СКОЛЬКО ОТТЕНКОВ У БЕЛОГО ЦВЕТА?
      На палитре художника лежат краски: белая, желтая, красная, синяя... Но пока это только краски. А в картине мы видим не чистую краску, а цвет, которым окрашены предметы. Для того чтобы получить цвет, художник смешивает краски, лежащие на его палитре.
      Существует очень много оттенков одного и того же цвета.
      Посмотри, каким разным может быть зеленый цвет: желтовато-зеленый, сине-зеленый, серовато-зеленый, коричневато-зеленый... Перечислить все оттенки просто немыслимо; ведь каждого цвета можно добавлять в зеленый то меньше, то больше.
      Воздух, окружающий нас, различное освещение отражаются на цвете, изменяют его. В картине «Девочка с персиками», например, скатерть, стена, тарелка на стене — белые, но разве они написаны одной белой краской?
      Каждый предмет освещается лучами света, падающими на него. И, кроме того, отраженным светом от соседних предметов. Происходит это потому, что предметы имеют свойство отражать свет. Отраженный свет всегда будет такого же цвета, что и сам предмет. Это явление называется рефлексом. В картине Серова ты видишь на скатерти и на стене зеленые рефлексы от листьев и розоватые от кофточки девочки. Поэтому и скатерть и стена на картине разного цвета, хотя в жизни их называют просто белыми.
      А как написал Суриков снег в «Боярыне Морозовой»? Ты подумаешь: «Ну что там особенного — снег ведь белый». Да, первое впечатление, что он белый, но присмотрись получше, и ты увидишь необыкновенное множество разных оттенков. Тут и голубые, и желтые, и розовые, и сиреневые тона. И все это вместе — белый снег, холодный и пушистый.
      Но найти на палитре тон — это еще не все. Когда художник кладет его на полотно, то он следит за тем, светлее этот тон или темнее, ярче или тусклее, чем соседний. И так он проверяет себя все время, пока пишет картину.
      Если он достиг того, что все тона согласуются друг с другом, значит, он добился нужного колорита.
      Вот и третье наше слово — «колорит».
     
      ГДЕ ДОЛЖЕН БЫТЬ ГЛАВНЫЙ ГЕРОЙ?
      Художник задумаликартину. Может быть, он долго вынашивал ее в своем сердце, любовно обдумывая, а может быть, замыслил сразу, внезапно и, увлекшись, решил воплотить задуманное на полотно.
      Тут и начинается нелегкий путь художника. Его ждут большой труд, поиски, волнения, надежды, подчас разочарования. А сколько сомнений и раздумий!
      Мы с тобой узнали три слова: «перспектива», «светотень» и «колорит». Овладение этими понятиями необходимо художнику, когда он работает над картиной. Но осталось еще одно, четвертое и очень важное — «композиция».
      Композиция — это такое расположение фигур и предметов на полотне или на бумаге, которое лучше всего выражает замысел художника. Если зрителю даже никто не расскажет о содержании картины, то ему и без слов должно быть понятно, что здесь происходит, какая связь существует между отдельными персонажами.
      Когда ты смотришь на картину, то видишь ее всю сразу, целиком. И лишь потом, когда она стала тебе понятна, начинаешь рассматривать детали. Правильно построенная композиция как раз и помогает зрителю отличить главное в картине от второстепенного.
      Мы уже говорили о том, какое богатство колорита в картине Сурикова «Боярыня Морозова». А что можно сказать о композиции?
      Композиция не имеет определенных, твердых законов. Нельзя сказать: делай так. Например, рисуй всегда главного героя в центре. Вот Суриков поместил Морозову не в центре, но все равно зрителю ясно, что она главное лицо в картине. Художник выделил ее и черным цветом платья, и сильным жестом руки, страстным и суровым выражением лица, и тем, что все люди вокруг устремлены к ней. Если пересчитать, сколько фигур на полотне, то окажется, что не больше тридцати, а создается впечатление тысячной толпы. Толпа живет, волнуется. Здесь нет равнодушных. Каждый охвачен каким-нибудь чувством: горе, сочувствие, сострадание или злорадство — все это мы читаем на лицах.
      У каждого художника свое вйдение мира, свое представление о композиции. И все они по-своему добиваются большей ее выразительности. Одним из самых сильных средств для этого служит тональный контраст.
      Леонардо да Винчи писал: «Ты должен ставить свою темную фигуру на светлом фоне, а если фигура светлая, то оставь ее на темном фоне. Если же она и светла и темна, то ставь темную часть на светлом фоне, а светлую часть на темном фоне». Это, конечно, не рецепт, годный всегда и для всех случаев, но тональный контраст в решении композиции часто применяют художники.
      В картине Репина «Бурлаки на Волге» темная группа бурлаков выделяется на желтом, сверкающем от раскаленного солнца песке. На контрасте построен портрет Ермоловой работы Серова. Артистка написана в черном платье на фоне серебристо-серой стены.
      Художнику важно, чтобы внимание зрителя было приковано к главному. Поэтому во время работы над картиной он выделяет это главное и отбрасывает лишние детали, не отвечающие прямо его замыслу, образу его героев.
      Постепенно композиция делается строже и строже, и наступает момент, когда все становится на свое место и уже ничего нельзя выкинуть из картины. То, что осталось, — необходимой ценно, важна каждая точка.
      Но бывают и такие детали, которые сам художник специально вводит в картину, чтобы оттенить образ героя, либо показать полнее обстановку, где происходит действие. Так в картине «Сватовство майора» Федотов нарисовал кошку, которая по старому поверью «намывает гостей».
      Художник всегда стремится передать в картине то, что волновало его самого, когда он работал над своим произведением, чтобы зритель почувствовал красоту людей и природы.
     
      ВОРОНА НА СНЕГУ
      Художнику, задумавшему историческую картину, нужно хорошо знать эпоху, в которую происходило событие. Когда Суриков приступил к работе над «Боярыней Морозовой», он прочитал много книг на эту тему, изучал памятники старины в музеях, ходил по Москве и жадно всматривался в Кремль, в Храм Василия Блаженного. Он говорил: «Я на памятники, как на живых людей смотрел, — расспрашивал их: «Вы видели, вы слышали, вы свидетели».
      В создании картины очень много помогли художнику воспоминания детства. Василий Иванович Суриков родился в Сибири в городе Красноярске. Он был потомком сибирских казаков, пришедших когда-то сюда с Дона под водительством Ермака. В детстве мальчик слышал много старинных преданий и рассказов. Тогда же он впервые услышал и историю боярыни Морозовой. В то время в Сибири еще сохранились черты русского быта XVI и XVII веков: старинные обычаи, песни, одежда. И эти черты художник воплотил в своей картине. Даже улицу художник изобразил похожей на улицу своего родного города.
      А сколько Суриков работал над образом каждого героя своей картины!
      Художник посещал молитвенные дома старообрядцев в селе Преображенском под Москвой. «Там в Преображенском все меня знали. Даже старушки мне себя рисовать позволяли и девушки-начетчицы. Нравилось им, что я казак и не курю».
      Дольше всего искал Суриков образ самой боярыни. Однажды у старообрядцев он увидел женщину, приехавшую с Урала. Ее лицо поразило его — это было то, что он искал. Суриков написал этюд с нее за два часа. Этюд — это небольшая по размеру картина, написанная красками. В нем художник только набрасывает то, что ему особенно нужно запомнить и сохранить для своей будущей картины. По первому этюду художник создал потом другой, окончательный вариант, который хранится в Третьяковской галерее. Он называется «Голова боярыни Морозовой». Суровое лицо боярыни будто освещено внутренним огнем.
      Без конца писал Суриков этюды зимы... «Все с натуры писал: и сани, и дровни. Мы на Долгоруковской жили... Там в переулке всегда были глубокие сугробы, и ухабы, и розвальней много... Как снег глубокий выпадет, попросишь во дворе на розвальнях проехать, чтобы снег развалило, а потом начнешь колею писать».
      Так работал Василий Иванович Суриков. Он шутил над собой, говоря: «Если бы я ад писал, то и сам бы в огне сидел и в огне позировать заставлял».
      Кроме работы с натуры, большое значение в работе художника имеют накопленный опыт, различные воспоминания, или, как часто говорят, ассоциации. И чем больше впечатлений и наблюдений откладывается в душе и памяти художника, тем ярче и глубже его искусство. Когда художник работает над картиной, то эти ассоциации вдруг возникают, иногда совсем неожиданно для художника.
      Суриков в «Боярыне Морозовой» долго искал сочетания черного цвета платья Морозовой и белого снега. В поисках этого цветового решения он вспомнил, как сильно поразил его когда-то контраст — черная ворона на ослепительно белом снегу.
      Как видишь, перспектива и композиция позволили художнику «построить» и уместить на полотне все, что он хотел изобразить, а светотень и колорит помогли передать часть бесконечно разнообразного мира.
      Вот мы с тобой и познакомились с четырьмя словами, с четырьмя понятиями, знание которых необходимо художнику. Знания эти нужны и всем тем, кто любит и хочет научиться понимать искусство.
      По своему содержанию живописные произведения делятся на разные жанры. Картины Сурикова, например, — исторические. Если художник нарисовал сцену войны, изобразил сражение, картина называется батальной. Когда на полотне мы видим сценку из жизни людей, то говорим, что это бытовой жанр.
      А какие еще бывают жанры? Сейчас мы с тобой узнаем.
     
      КРАСОТА В ОБЫДЕННОМ
      «Натюрморт» — французское слово и значит буквально «мертвая природа». В натюрмортах изображают не только неодушевленные предметы — фрукты, цветы, — но и живую рыбу или дичь.
      На небольшом круглом столе, на белой скатерти, в беспорядке стоит посуда. Как будто только что здесь кто-то завтракал. Вот лежит, тускло поблескивая серебром, бокал, в другом, стеклянном, — недопитое вино. На серебряной тарелке пирог. У него отломлена хрустящая корочка, и мы видим начинку — варенье. Картина так и называется «Завтрак с ежевичным пирогом». Ее написал голландский художник Геда, живший в XVII веке. (См. иллюстрацию VI.)
      Голландия в ту пору была самым передовым и богатым государством. После буржуазной революции XVI века народ освободился от власти феодалов и церкви. Окончилась победой и долгая война с испанскими захватчиками. Мужественный, трудолюбивый голландский народ вернулся к мирной жизни. И тогда люди особенно остро почувствовали, как хороша природа, как мила им их простая жизнь. И художники стали рисовать то, что было понятно и близко всем: тихие поля и море, уютные комнаты со старинной мебелью, семейные сценки.
      Это было время расцвета голландской живописи. Все увлекались искусством, все покупали картины. Художники даже иногда платили своими картинами и хозяйке за комнату, и портному за костюм.
      С особой любовью голландские художники писали натюрморты. «Завтрак с цыпленком», «Завтрак с ветчиной и персиками», «Завтрак с омарами» — вот их излюбленные темы.
      Они предпочитали серые тона, особенно для фона, но зато каким золотом отливают на этом фоне лимоны! Как хороши сочные персики с бархатистым пушком, или селедка, вся сверкающая перламутром! Какими тугими складками падает накрахмаленная белая скатерть из знаменитого голландского полотна!
      Голландские художники очень умело пользовались светотенью и тончайшими переходами цвета, и потому так необыкновенно выпуклы стеклянные бокалы, в которых поблескивает налитое вино. А как хорошо они изображали металлический блеск посуды и матовость глиняных кувшинов! Художники увидели возвышенную красоту в самых простых, обыденных вещах. Они передали не только красоту вещей, но и свое восхищение ими.
      Эти натюрморты были небольшими по размеру, и художников, писавших их, потом назвали «малые голландцы». Они-то и являются родоначальниками натюрморта.
      В тех обыкновенных предметах, которые изображали художники, мы видим как бы кусочек жизни того времени: посуду, которой тогда пользовались, обстановку комнат, обычаи и привычки.
      Большую любовь к земле, к ее чудесным плодам мы видим в натюрмортах советского художника Петра Петровича Кончаловского. Он с детства привык рисовать овощи, плоды и цветы. И эта страсть осталась у него на всю жизнь.
      Художник восхищается упругой сиренью — то темно-лиловой, то белой, то сиреневой. Он пишет нежно-розовые фиалки и яркие розы, пишет очень бережно, любуясь очертаниями лепестков и стараясь не пропустить ни одного оттенка.
      А ты знаешь, что говорил Кончаловский своим ученикам? «Цветок нельзя писать «так себе», простыми мазочками, его надо изучать так же глубоко, как и все другое. Цветы — великие учителя художников: для того чтобы постигнуть и разобрать строение розы, надо положить не меньше труда, чем при изучении человеческого лица».
      Теперь ты знаешь, что натюрморт — это один из жанров в живописи.
     
      "МАЛЫЕ ГОЛЛАНДЦЫ" И ПЕЙЗАЖ
      Здесь ты прочтешь о другом жанре — пейзаже.
      Художники древности не рисовали пейзажей. Впервые пейзажами заинтересовались художники в эпоху Возрождения. Мы уже знаем, что художники Возрождения стремились правдиво отображать природу, но она служила у них лишь фоном для человека.
      Только в картинах голландских художников XVII века, тех же «малых голландцев», природа стала главным героем.
      Большую часть поверхности Голландии занимает низменная равнина, почти всюду ее земля находится на одном уровне с морем. Ни яркими красками, ни пышной растительностью не отличается природа Голландии. Но голландские художники сумели найти красоту и очарование в самых обыкновенных уголках. То, что раньше не привлекало ничьего внимания, теперь появилось на полотнах: песчаная дорога с растущим вдоль нее кустарником, хижина рыбака на берегу тихой речки, зеленые луга с пасущимися стадами.
      Голландцы часто пишут море. То оно спокойное и умиротворенное, то оно яростно бушует, и огромные волны рушатся на одинокий корабль.
     
      МИЛАЯ НАШЕМУ СЕРДЦУ ПРИРОДА
      Проникновенной любовью к родной природе наполнены картины русских пейзажистов: Саврасова, Шишкина, Левитана и Серова. На портрете Шишкина, написанном художником Крамским, изображен богатырски сложенный человек в высоких охотничьих сапогах, с тяжелым этюдником за плечами и с большим зонтом. Иван Иванович Шишкин и на самом деле, как богатырь, исходил луга, поля и леса России. Как он много видел, как хорошо изучил и передал в своих полотнах строение высоких сосен, золотую рожь и низкорослый папоротник в темных лесных зарослях!
      Другим замечательным пейзажистом был Исаак Ильич Левитан. Он бесконечно любил тихие леса, перелески и поляны, глубоко чувствовал все очарование русской природы и создавал проникновенные, поэтические пейзажи нашей средней полосы. Пейзажи — это не просто изображение природы, в них можно передавать и мысли и чувства. Пейзажи могут вызывать у нас радость или грусть, порой тревогу. Широкая, могучая Волга в картинах Левитана вызывает ощущение величественности и бесконечности простора.
      Левитан, как никто, умел передать весеннюю свежесть влажного воздуха, талый снег и нежность березок, стоящих в воде, или яркую синеву осеннего неба и очаровательную гамму желтых и красных пятен листвы.
      Есть красота в нетронутой природе, но есть красота и в тех преобразованиях, которые внес в природу человек. Советский художник Г. Г. Нисский с увлечением, любовно рисует новый пейзаж нашей страны.
      Казалось бы, нет ничего красивого и поэтичного в изображении железнодорожной станции. А вот Нисский нарисовал и ее. Большая станция со множеством путей. На них стоят паровозы, вот-вот готовые отправиться в путь, и разные вагоны: красные, желтые, зеленые. Картина наполнена ощущением деятельности человека, ритмом современной жизни.
      Нисский часто изображает шоссе. Оно всегда стремительно убегает на его картинах вдаль между лугов и лесов. Среди нежной зелени лиственных деревьев красиво выделяются темные пятна елей. (См. иллюстрацию XII.)
      Он рисует самолеты в синем-синем небе, арки мостов, перекинутых через реки, белоснежные виадуки на фоне изумрудных полей.
      Художника радует и увлекает все новое, все, что создано добрыми руками человека.
     
      ЗЕРКАЛО ДУШИ
      Одни из самых древних портретных изображений, известные нам, — это статуи фараонов в Древнем Египте и сфинксы.
      И статуи и сфинксы делались исполинских размеров. Их создавали для того, чтобы прославлять фараонов, чтобы память о них жила века.
      Осенью 1877 года в Египте, в районе оазиса Файюм, была найдена древняя гробница. В ней обнаружили много мумий. Вместо обычной маски для головы мумии были вставлены портреты. Эти самые первые известные нам живописные портреты создавались в I веке до нашей эры — IV веке нашей эры. Написаны они на деревянных досках восковыми красками, сохранившими до сих пор необыкновенную свежесть и яркость.
      Сначала эти портреты украшали жилища, а после смерти владельца вставлялись в его мумию.
      Лица людей поражают живым выражением, чувствуется, что они очень похожи на тех, с кого писались.
      По месту оазиса портреты называются фаюм-скими. (См. иллюстрацию XIII.)
      Художники всех времен и всех стран писали портреты.
      Этот жанр, больше чем какой-либо другой, связан с внутренним миром человека.
      Давно уже нет людей, которых рисовали художники, но они как будто знакомы нам. Их изображения рассказали нам не только о том, какой у них был нос или глаза, какого цвета были волосы, но и о более важном — о характере этих людей: мы узнали, добры они были или жестоки, беспечны или мрачно подозрительны.
      Чтобы написать портрет, нужно очень много знать о человеке: его профессию, привычки, манеру одеваться, ходить. Ведь очень часто мы узнаем знакомого нам человека издали, когда черты лица еще нельзя рассмотреть, — узнаем по походке, по общему силуэту.
      Цвет кожи, мягкость или жесткость волос — все это внешние черты человека. Но не надо увлекаться ими. Ведь можно нарисовать все морщины на лице, добиться полного сходства, но не передать характера, образа.
      Художники, прежде чем приступить к работе над портретом, делают массу набросков и эскизов, изучают человека, которого будут писать.
      Необходимо выбрать позу, характерную для этого человека, ясно и четко выявить руки и жесты, такие своеобразные у каждого, и особенно глаза. От того, какое выражение придаст им художник, зависит и наше понимание человека. Недаром говорят, что глаза — это зеркало души. Не менее важен выбор композиции и фона для портрета, который подходил бы к замыслу художника. Художник может посадить свою модель в кресло или за письменный стол. А вот Валентин Александрович Серов написал «Девушку, освещенную солнцем» в саду — чудесный портрет, полный воздуха и солнца.
      Все, что художник поместит в портрете, не должно быть случайным. Даст ли он в руки того, кого пишет, книгу, кисть или молоток — все это будет иметь прямое отношение к этому человеку.
      Как и во всякой картине, цвет и в портрете играет основную роль. Мы с тобой уже знаем, что колорит придает картине настроение — жизнерадостное или, наоборот, лирическое, грустное и даже мрачное. Вот портрет работы В. А. Серова «Мика Морозов». Белая рубашка, золотистые волосы и оживленные темные глаза мальчика освещены теплым светом. Портрет пленяет нас тонкостью и богатством колорита, жизнерадостностью. (См. иллюстрацию XIV.)
      Может случиться и так, что два художника написали одного и того же человека, а получился он у них разным. Происходит это оттого, что каждый художник по-своему понял характер, мысли и чувства человека, а главное, он вложил в портрет свое отношение к изображаемому.
      В истории искусства известны имена таких великих портретистов, как Рембрандт, Веласкес, Ван-Дейк. Среди русских художников были замечательные портретисты: Боровиковский, Кипренский. Среди советских мы знаем имена Нестерова, Кончаловского, Корина.
      Огромную галерею портретов знаменитых людей XIX века создал Илья Ефимович Репин. Он считал, что писать портреты выдающихся современников его долг перед родиной.
      Репин был очень дружен с композитором Мусоргским, очень любил и ценил его музыку. Когда композитор тяжело заболел, Репин приехал к нему в госпиталь и там в течение четырех дней написал великолепный портрет. Он изобразил Мусоргского в халате с малиновыми отворотами, сидящим в глубоком раздумье.
      Репин писал не того больного человека, которого видел перед собой, а полного сил и здоровья композитора. Художник поставил перед собой цель — передать образ одухотворенного гения. И это ему удалось. Современники, знавшие Мусоргского, были поражены необычайной правдивостью и жизненностью портрета.
      Когда художник пишет свой портрет — это называется автопортретом. Пожалуй, больше всего автопортретов создал Рембрандт. Он писал
      себя молодым и веселым, зрелым мастером, во всем могуществе своих творческих сил, то улыбающимся, то глубоко задумавшимся. Писал и позже, в самые тяжелые годы своей жизни, писал и в старости, сгорбленным, с морщинами на лице, но не сломленным невзгодами, глубоко человечным и сильным духом.
     
      ХУДОЖНИК ДОЛЖЕН ВИДЕТЬ ВСЁ САМ
      Лето 1880 года Илья Ефимович Репин провел в низовьях Днепра, там, где некогда была казачья вольница — Запорожская Сечь. Репин задумал картину «Запорожцы». Приехав туда, где еще оставались памятники казачьей старины, он без конца зарисовывает старинные костюмы, посуду, оружие, пишет пейзажи.
      А через несколько лет он поехал на Кубань и на Кавказ, куда переселились потомки запорожцев, Зарисовки типов казаков он использовал в своей картине.
      Художник должен видеть всё сам. Он не может довольствоваться только тем, что прочтет или услышит. Особенно, если тема его картины какое-либо историческое событие.
      Когда Василий Иванович Суриков начал работать над эскизами картины «Переход Суворова через Альпы», он уехал в Швейцарию. Там рисовал горные ущелья, взбирался на вершины гор. Художник изучал технику лазания по горам, чтобы ясно представить себе, как войска Суворова перешли через высокие горные хребты Альп.
      Не всегда художнику нужно ехать так далеко, но он точно должен знать то, что собирается рисовать.
      Замечательный русский художник Валентин Александрович Серов, работая над иллюстрацией к басне Крылова «Ворона и Лисица», залезал на дерево, чтобы узнать, что могла увидеть оттуда ворона. (См. иллюстрацию XI.)
      Стремление к тому, чтобы все узнать и увидеть самому, стало героическим подвигом художника В. В. Верещагина. Он был баталистом — рисовал сцены войны. Художник страстно ненавидел войну и боролся против нее силами своего искусства. Но, чтобы изображать войну, надо было ее знать.
      Когда в 1877 году началась русско-турецкая война, Верещагин едет на фронт. Во время сражений за Шипку Верещагин сидел со своим альбомом недалеко от поля боя и, не обращая внимания на свист пуль и разрывы снарядов, зарисовывал сцены атаки. Художник шел на риск, чтобы иметь возможность наблюдать людей во время боя, и был тяжело ранен.
      Верещагину было уже больше шестидесяти лет, когда разразилась русско-японская война.. Он немедленно выехал в Порт-Артур.
      31 марта 1904 года художник стоял на палубе броненосца «Петропавловск» и делал зарисовки развертывавшегося перед его глазами морского сражения. Внезапно все судно потряс взрыв. Верещагин погиб, как солдат на боевом посту.
     
      КЛАДОВАЯ ХУДОЖНИКА
      «...Ни один человек не сможет создать образ из собственной души. Окажется тогда, что он накопил это в своем уме благодаря многочисленным зарисовкам», — написал в XVI веке немецкий художник Альбрехт Дюрер.
      Наблюдения — основа работы художников. Изучая жизнь, они черпают в ней темы для своих картин. Альбомы и наброски художников — это своеобразная кладовая. Зарисовки, которые они делают повсюду: люди, уголки природы, улицы города — все это потом помогает художнику в его работе. Недаром альбомы с Зарисовками Репина занимают несколько больших шкафов.
      Русский художник XIX века А. Иванов больше двадцати лет своей жизни посвятил картине «Явление Христа народу». Он создал целую галерею подготовительных рисунков, эскизов и этюдов. Их больше шестисот, и каждый из них — : произведение искусства.
      Многие ребята, мечтая стать художниками, думают, что научиться рисовать и быть художником очень легко. Но они заблуждаются. Читая
      книги о художниках, узнаешь, каким большим, напряженным трудом была наполнена их жизнь, как многим они жертвовали во имя искусства.
      Французский скульптор XIX века Роден писал: «Единственные добродетели художников — мудрость, внимательность, искренность, воля. Выполняйте ваш труд как истые рабочие».
     
      ПОДВИГ ХУДОЖНИКА
      В 1508 году Микеланджело Буонарроти подписал договор с папой Юлием II. Итальянский скульптор и художник обязывался расписать плафон (потолок) Сикстинской капеллы. Так называется длинная и высокая зала папского дворца в Ватикане.
      Чтобы расписать потолок (высота зала 18 метров), по указанию художника поставили леса. Работать на них он мог только лежа. В течение четырех лет художник, лежа на спине, расписывал плафон. Краски капали ему на лицо, тело ныло, но, увлеченный работой, он ничего не замечал. Микеланджело работал с неистовством, забывая о сне и еде.
      Работая лежа, великий мастер испортил зрение. Долгие годы спустя он мог рассматривать предметы, лишь подняв их над головой.
      Сколько технических трудностей преодолел Микеланджело. Только что закончил он одну фреску (роспись водяными красками по сырой штукатурке), как эта часть потолка стала покрываться плесенью, испортившей написанное. Пришлось всю работу начинать сначала.
      Микеланджело один расписал плафон площадью более 600 квадратных метров. Лишь его ученик Кондйви помогал ему. Это был труд титана, это был подвиг художника.
      За что бы ни брался Микеланджело, он всегда работал с горячностью, увлеченно, с головой погружаясь в свои грандиозные замыслы. Когда ему нужен был мрамор для статуй, он вместе с рабочими спускался в каменоломню и там в течение многих месяцев добывал его.
      Может быть, ты спросишь: ради чего Микеланджело все дни своей жизни отдавал такой неистовой, такой всепоглощающей работе?
      Представь себе, что мы задали бы такой вопрос самому Микеланджело. Вероятно, он просто не понял бы нас.
      Нет, он не мог бы жить иначе. Смысл всей его жизни был в этом непрерывном творческом труде. Он стремился раскрыть самого себя, свои думы, свои помыслы в произведениях искусства.
      И вот прошло пять веков, как умер художник, а творения его живы. И как пять веков назад, люди и сейчас не перестают любоваться и сикстинским плафоном и скульптурами Микеланджело. Через века дошли до нас мысли и чувства художника. Когда мы смотрим на юного смелого «Давида», вставшего на защиту своей страны, мы чувствуем, как горячо любил родину сам Микеланджело, также с оружием в руках защищавший родную ему Флоренцию.
      Мы любуемся величественной росписью Сикстинской капеллы, и мысли художника о красоте и совершенстве человека становятся нам так же близки и дороги, как и ему.
      И мы благодарны художнику за его огромный труд, за его подвижническую жизнь, за прекрасные создания, которые приносят нам глубокую радость.
     
      ВТОРАЯ ЧАСТЬ
     
      Теперь поговорим о том, как же тебе самому нужно учиться рисовать. Возможно, что ты станешь впоследствии художником, а может быть, выберешь себе другую профессию, но занятия рисованием и знакомство с искусством сделают твой внутренний мир гораздо интереснее и богаче.
      Тот, кто рисует природу, ближе узнает ее, и ему открывается ее красота. Если пойти ранней весной в лес, можно увидеть деревья, покрытые нежным зеленым покровом. Это раскрываются почки. Посмотри, как летом появятся повсюду яркие цветы, как будут вызревать хлеба в поле, а осенью полюбуйся буйством разноцветной листвы.
      А в городе приглядись к улицам, к площадям. Они тоже хороши, и совсем разные весной и зимой, утром и вечером.
      Рисование может пригодиться человеку любой профессии.
      Представь себе агронома, который вырастил новый вид растения. Разве не нужно ему зарисовать его? Разве геологу не приходится рисовать всевозможные горные породы или расположение пластов земли? А археологи? Они ведь тоже зарисовывают различные находки во время раскопок. Изобразить какую-нибудь деталь, часть машины совершенно необходимо технику или инженеру.
      Ты уедешь путешествовать и привезешь с собой в альбоме зарисовки городов, которые ты посетил, и людей, которых там встретил. И эти наброски останутся у тебя на всю жизнь как память о твоем путешествии.
      Всюду и во всем умение рисовать будет очень помогать тебе.
     
      РИСОВАТЬ НАДО ВСЕГДА САМОСТОЯТЕЛЬНО
      Леонардо да Винчи писал: «Картина живописца будет малосовершенна, если он в качестве вдохновителя берет картины других, — если же он будет учиться на предметах природы, то он произведет хороший плод».
      Очень часто ребята срисовывают рисунки и картины художников, иллюстрации из книг. Некоторые искренне считают, что так и надо делать. Но делать этого не надо. И вот почему.
      В каждую свою работу художник вложил частицу своей души, своего таланта, своих наблюдений. Чем больше он сумел увидеть и чем ярче передать увиденное, тем больше мы восхищаемся его картиной. В произведении художника нас радует то новое, что подсмотрел он в жизни. И вот ты садишься и начинаешь перерисовывать его картину. Ты не вкладываешь в такую работу ни своих впечатлений, ни своих собственных наблюдений, ни своих переживаний. Ты перерисовываешь механически, ты приучаешься смотреть на мир чужими глазами, и ничего, кроме вреда, это не принесет тебе.
      Ты можешь, конечно, возразить, что многие художники в годы своего учения копировали картины знаменитых мастеров. Но это совсем другое. Художник делает копию в музее с оригинала картины. Он копирует сознательно, для того чтобы изучить те или иные приемы работы большого мастера. А ты перерисовываешь подчас с плохой открытки, где многое искажено.
      Итак, давай условимся с тобой, что рисовать ты будешь самостоятельно.
      И еще об одном мы должны договориться с тобой. К рисованию надо относиться серьезно, потому что твои рисунки — это тоже искусство. Пусть у тебя многое еще не совершенно, но ты видишь окружающий мир и рисуешь его, а это главное. Если что-нибудь не удастся тебе сначала — не падай духом.
     
      РЕПИН: "НА РИСУНКЕ НАДО ЗУБЫ ПРОЕСТЬ"
      В конце прошлого века в Академии художеств преподавал профессор Н. П. Чистяков.; У него учились такие замечательные художники, как Репин, Суриков, Серов, Васнецов и многие другие.
      Чистяков придавал рисунку огромное значение. Он говорил, что «не умеющий рисовать не будет и писать как следует».
      Рисунок — это основа любого произведения изобразительного искусства. И в картине, написанной красками, он также очень важен.
      Учиться рисовать не легко, но это не должно смущать того, кто решил научиться. Поэтому лучше всего проявить настойчивость и рисовать ежедневно хотя бы полчаса. Постепенно это так увлечет тебя, что станет потребностью.
      Вот что рассказывает про свое увлечение рисованием советский художник А. Дейнёка: «...для меня рисование было так же необходимо, как купание в реке, езда на санках, как встречи со сверстниками... Сколько я себя помнил, я всегда рисовал...»
      Рисунок играет не только подсобную роль, помогая художнику в работе над картиной, он может существовать и как самостоятельное произведение искусства.
      В рисунке художник, так же как и в картине, передает свои чувства, мысли и идеи.
     
      ПОГОВОРИМ О КАРАНДАШАХ, УГЛЕ И САНГИНЕ
      Г рафитныйкаранда ш — самый распространенный вид карандаша. Он бывает жестким и мягким. Сорта обозначаются на карандаше буквой Т — твердый, а буквой М — мягкий. Жесткие карандаши дают тонкую линию, мягкие — толстую. Мягкий карандаш легко и красиво ложится на бумагу. Но для начала лучше брать не слишком мягкий карандаш (потому что при стирании резинкой он может размазаться по бумаге), а карандаш, на котором написано «2М» или «ТМ». Графитные карандаши очень удобны для быстрых зарисовок в альбоме. Точить их лучше всего острым перочинным ножом.
      Итальянский каранда ш — называется также «ретушь» или «негро». Он дает на бумаге глубокий бархатистый черный тон. Им хорошо делать переходы от светлых к темным тонам. Там, где у тебя должен быть совсем светлый тон, можно дать штрихи мелом. Стирать итальянский карандаш резинкой надо очень осторожно, чтобы не получилась грязь. Но зато с помощью резинки, если умело ею пользоваться, можно передать на рисунке блики — например, блеск металла или стекла.
      Итальянским карандашом охотно работали многие знаменитые художники.
      Уголь — очень хороший материал для учебных занятий. Он легко ложится на бумагу и на холст. Стирается он тряпкой, мякишем белого хлеба, но не резинкой. Тон его на бумаге тоже бархатистый, как у итальянского карандаша. Но уголь толще и грубее, поэтому отдельные мелкие детали в рисунке углем можно делать итальянским карандашом. Они хорошо дополняют друг друга.
      Уголь продается в магазинах в виде черных палочек толщиной в карандаш. Помни, что они очень хрупкие, поэтому не сжимай их сильно в руке.
      Если ты не достанешь уголь в магазине, то его можно приготовить самому. Об этом ты прочтешь немного дальше.
      Чтобы добиться густого темного тона, §адо штриховать углем одно и то же место несколько раз.
      Можно заштриховать сразу большую плоскость. Если надо потом сравнять штрихи или сделать мягкий переход от тени к свету, уголь растушевывают пальцем. Можно также купить специальные растушевки в виде конусообразных трубочек.
      Рисунок, выполненный углем, очень красив и выразителен. Многие художники делали им портреты. Например, портрет Е. Д. Баташевой работы И. Репина. (См. иллюстрацию XVI.)
      Рисунок углем надо обязательно фиксировать, иначе он быстро осыплется. Фиксатив продается в магазине, но можно сделать и самому. Об этом ты также прочтешь дальше.
      Чтобы зафиксировать рисунок, его кладут плашмя. Фиксатив наливается в пульверизатор. Пульверизатор держат на расстоянии метра от рисунка. Не следует дуть прямо на рисунок. Пусть брызги фиксатива падают на рисунок сверху мягко. Обрызгивать рисунок надо до тех пор, пока он не станет влажным.
      Сангина продается в магазинах в виде палочек. Она красивого красновато-коричневого цвета и благодаря этому больше, чем уголь, подходит для рисунка головы или фигуры человека. Так же как и уголь, она дает на бумаге глубокий бархатистый тон. Для светлых мест можно брать белила или мел.
     
      О БУМАГЕ
      Трудно точно сказать, когда научились изготовлять бумагу, но летописи сообщают, что она была изобретена в Китае во II веке нашей эры Чай Лунем.
      А в глубокой древности люди не знали бумаги. Египтяне, например, писали на пальмовых листьях, потом научились делать из бамбука папирус, похожий на пергамент. Другие народы писали на коже, на костяных или деревянных дощечках.
      Сейчас бумагу выпускают самых различных сортов, в зависимости от употребления и назначения.
      Для рисования лучше всего идет белая, плотная, специально проклеенная бумага. Она выдержит, если ты даже много раз будешь стирать линии карандаша резинкой. Но это не значит, что надо увлекаться стиранием. Надо приучать себя к тому, чтобы не водить карандашом по бумаге как попало, а вести линию осмысленно, стараясь, чтобы она выражала предметы, которые ты рисуешь.
      Бумага для рисования карандашом должна быть немного шероховатой. Гладкая нужна для работы пером.
      Хорошая бумага — это ватман или полуват-ман. Его можно купить в магазине. Если такой бумаги нет, то купи обычный альбом для рисования.
     
      КАК НАКЛЕИТЬ БУМАГУ
      Бумага, приколотая к доске кнопками, никогда не будет достаточно гладкой. Лучше всего наклеить ее на доску.
      Возьми лист бумаги такого размера, чтобы он был немного больше доски, и вдоль четырех краев отогни полоску шириной 1,5 — 2 сантиметра. Затем мягкой губкой или ватой как следует смочи одну сторону бумаги водой. Когда бумага набухнет, лишнюю воду смахни. Отогнутые края смажь столярным клеем с другой стороны. Наложи бумагу на доску и приклей ее края к доске. При наклейке старайся растянуть бумагу сколько удастся. После этого поставь доску на ребро и подожди, когда бумага просохнет.
      Наклеенная бумага годится и для рисования карандашом, и для работы акварельными красками.
     
      КАК СИДЕТЬ, КОГДА РИСУЕШЬ
      Может быть, ты удивишься названию этой главы, но это очень важный вопрос. Когда ты сидишь правильно, то не устаешь, и работа доставляет тебе радость. Если ты держишь карандаш неверно, то на рисунке у тебя будут неуверенные штрихи.
      Рисунки маленького размера можно делать сидя за столом, но для больших это не годится, пото-
      Так надо сидеть за мольбертом и так держать карандаш, когда рисуешь.
      му что, рисуя, ты должен видеть перед собой весь лист бумаги. Доску с прикрепленной бумагой можно поставить на стул или положить одним концом себе на колени, а другим на стол или на спинку стула.
      Удобно рисовать за небольшим складным мольбертом. (См. рис. на стр. 55.)
      Отодвигая ножки мольберта, можно изменять его наклон. А после работы мольберт легко сложить, и он займет в комнате очень мало места.
      При работе не напрягай руку, держи карандаш в вытянутой, но свободной, ненапряженной руке. Опирайся на рисунок только ребром ладони.
      Карандаш держи под большим пальцем, поддерживая его всеми остальными пальцами. (См. рис. на стр. 55.)
     
      С ЧЕГО ЖЕ НАЧАТЬ?
      С давних пор художники учились рисовать с натуры. И тебе нужно начать с этого.
      Первый совет. Очень важно увидеть предмет, который ты рисуешь, целиком, одним взглядом, поэтому не садись очень близко к нему.
      В рисовании должна быть определенная система, то есть тебе надо знать, что ты будешь рисовать в начале, в середине и в конце рисунка.
      Перед тем как начать рисовать, посиди и посмотри на свою модель. Представь себе ясно ее величину, объем и размер отдельных частей.
      Затем легкими линиями набросай общую форму предмета. Правильно наметь его пропорции. Пропорции — это соотношение высоты предмета к его ширине и соотношение между величиной отдельных частей.
      Начинать надо с предметов простой формы.
      Если ты посмотришь на ведро или стакан, то заметишь, что они напоминают простые геометрические формы. В стакане легко разглядеть цилиндр, а в ведре — усеченный конус. Все эти предметы симметричны — это значит, что очертания их краев расположены на одинаковом расстоянии от оси.
      Рисуя, обрати внимание на донышко и верхнее отверстие. Ты видишь их как овалы. Посмотри на эти кружки. Рисунок А сделан неправильно, а рисунок Б — правильно.
      После того как ты наметил общую форму, можно приступать к более тщательной отделке рисунка.
      Рисунок кружки (А — неправильный). Рисунок кружки (Б — правильный).
     
      ПЕРВЫЙ НАТЮРМОРТ
      Тебе может показаться скучным рисование простых предметов, но это неверно. Ты приглядись со вниманием и увидишь в каждой вещи что-то интересное — либо ее форму, либо цвет.
      Освоив простые формы, переходи к более сложным.
      Начни с небольшого натюрморта. Лучше всего поставить рядом два-три предмета разной величины и формы. Пусть одни предметы будут светлые, а другие — темные. Предположим, ты выбрал крынку, чашку, яблоко или морковь. Поставь их близко друг к другу. Яблоко, например, может закрыть часть крынки. Предметы должны стоять так, чтобы расположение их понравилось тебе, тогда ты с удоволь-
      ствием будешь рисовать. Посмотри, как лучше композиционно разместить твой натюрморт на листе бумаги — по горизонтали или по вертикали.
      Сначала набросай общие очертания предметов. Карандаш веди легко, без особого нажима, чтобы линии его было нетрудно стереть, если понадобится. Предметы рисуй так, будто они прозрачные и ничто их не заслоняет. Это нужно для того, чтобы правильно передать их очертания.
      Рисуя яблоко или морковь, все время сравнивай его с крынкой и чашкой. Больше они или меньше, круглее или более плоские, чем отличается форма крынки от чашки? Что шире у крынки — ее нижняя или верхняя части?
      Наметив рисунок, можешь приступить к работе над светотенью. Найди, откуда идут лучи света, освещающие натюрморт, как они падают на предметы. Та сторона его, на которую лучи упали перпендикулярно, будет совсем светлой, и где-то на ней окажется блик, то есть кусочек самого светлого места. Те части предмета, на которые попали косые лучи, останутся в полутени. А там, куда лучи света не достигли вовсе, будет сплошная тень.
      На круглых и цилиндрических формах переход от света к тени идет постепенно.
      Начинай со штриховки самых темных мест и постепенно переходи к самым светлым. Работать надо не над одним предметом, а над всеми одновременно. Нашел самое темное место у яблока и сейчас же найди такое же на крынке и чашке.
      Но обрати внимание вот на что: на разных предметах и тени различны по силе. Это происходит оттого, что предметы отличаются друг от друга своим цветом.
      Помни также, что предметы, которые ты пишешь, сделаны из различных материалов, и поэтому поверхность у них неодинаковая. Как говорят художники, у них разная фактура и ее надо передать. Блеск прозрачного стекла совсем другой, чем у металла. У шелковой материи красивые переливы в складках, которых нет у бумажной материи. Дерево, резина, пластмасса — все это поверхности то матовые, то блестящие. Когда рисуешь, обращай на это внимание.
     
      НАБЛЮДЕНИЕ И ПАМЯТЬ
      Очень важное качество для художника — умение видеть.
      Французский художник Пуссен писал: «Существует два способа смотреть на предметы: просто видеть и рассматривать со вниманием».
      Не гляди на природу равнодушным взором, как на нечто привычное. Все время ищи в ней что-то новое, особенное.
      Большой японский мастер Кацусика Хокусаи, живший в XVIII веке, бесчисленное количество раз рисовал величественный вулкан Японии Фудзи.
      То художник подходит к нему совсем близко, то передает его отражение в воде, то рисует Фудзи сквозь заросли тростника, сквозь рыбачью сеть или через зонтики, выставленные в лавке. Хокусаи изображает вулкан за густой завесой дождя, и, наконец, на одном из рисунков Фудзи сияет красотой в ясную погоду.
      Хокусаи создал серию гравюр «36 видов горы Фудзи», а потом «100 видов Фудзи». 136 раз он нарисовал вулкан, и ни один рисунок не похож на другой. Можно просто изумляться тому, как много увидел художник в одной лишь горе. (См. иллюстрацию X.)
      Художнику необходима наблюдательность. Ее можно развить, если постоянно делать наброски.
      Набросок — это рисунок с натуры небольшого размера, сделанный карандашом, пером, черной тушью, разбавленной водой до серого цвета, или акварельной краской одного цвета, например, сиеной жженой или умброй натуральной.
      Самое важное в наброске — это схватить форму того или иного предмета, уловить движение человека, животного, птицы. Художник Федотов специально рисовал «как люди садятся». В наброске не нужны детали, а лишь самое важное и характерное из того, что ты увидел. Не заботься об отделке наброска, постарайся передать точно силуэт человека или основные очертания предмета. А если ты рисуешь несколько предметов, то наметь, как они расположены в пространстве. (См. иллюстрацию XV.)
      Очень развивает наблюдательность, а также и зрительную память, рисование по памяти.
      Надо ежедневно рисовать по памяти то, что встречается в пути: дерево, растущее у дороги, ребенка, играющего во дворе, какую-нибудь сценку — в общем, все, что привлекло твое внимание.
      У художника Ге так сильна была зрительная память, что, раз увидевши комнату в Петровском дворце, он потом на память изобразил ее в картине «Петр I допрашивает царевича Алексея Петровича в Петергофе».
     
      РИСУНОК НА ПРИРОДЕ
      И вот наступил день, когда ты пошел рисовать пейзаж. Выбери сначала несложный пейзаж. Лучше всего начни с какого-нибудь дерева, стоящего на поляне или опушке леса.
      Часто начинающие рисовать помещают изображение в самом углу или, наоборот, рисуют предмет таким большим, что он не умещается на листе.
      Постарайся найти удачную композицию, то есть размести свой рисунок так, чтобы все задуманное уместилось на листе и чтобы пространство, занятое рисунком, и пустые места на бумаге уравновешивали друг друга.
      Теперь наметь высоту дерева и ширину раскинутых ветвей, общую форму кроны. Пусть твоей задачей в рисунке будет сначала общее, а потом частности, отдельные детали. Если ты начнешь рисовать с листьев, то это будет неверно. Все равно, как если бы плотник начал строить дом с форточки, когда еще не возведены стены.
      После наброска дерева в целом нарисуй большие ветки, потом более мелкие, а затем вернись опять к общей форме дерева. Посмотри, получилась ли она у тебя на рисунке. Обрати внимание на толщину ствола, на его направление. Помни, что у каждой породы деревьев свой совершенно особенный силуэт, свое особое строение.
      Ветви березки раскидистые, плакучие, а пирамидальный тополь как свеча устремлен вверх.
      Ветки разных ревьев и растут разному, и листва них расположена особому.
      А кора? Посмотри — что ни дерево, то она другая. Белая кора березы пересечена темно - коричневыми, почти черными пятнами, на ощупь она шелковистая, а у хвойных деревьев — чешуйчатая, жесткая.
      Полезно иногда взять и нарисовать одну ветку дерева отдельно, тщательно прорисовывая все детали.
      Что бы ты ни рисовал, очень важно в каждый рисунок вкладывать свое отношение к предмету.
     
      РИСУЙ ЖИВОТНЫХ
      Делать наброски животных очень увлекательно. Если там, где ты живешь, нет зоопарка,
      то, наверное, есть скотный двор, птицеферма. Понаблюдай за пасущимся стадом или табуном жеребят — -сколько здесь интересных мотивов!
      Самое главное — уловить характерные особенности животного: длинные или короткие ноги, изгиб шеи, складки кожи, длину шерсти. У каждой породы животных свои, только им свойственные позы и движения, и очень важно передать это в наброске. И, конечно, надо показать характер животного. Хитрость лисы видна в ее острой длинной мордочке, злость волка в его хищно оскаленной пасти.
      Птиц, если они одного вида, можно рисовать на одном листе сразу несколько, только в разных позах. Если птица, которую ты начал рисовать, улетела, то можешь продолжать набросок, смотря на другую птицу в той же позе.
      Познакомься с тем, как изображали животных такие художники, как В. Серов, В. Ватагин, А. Лаптев. (См. иллюстрации XVII-XX.)
      Художников, которые рисуют животных, называют анималистами.
     
      РИСУНОК ЧЕЛОВЕКА
      Рисовать человека труднее всего, потому что форма человеческого тела наиболее сложная.
      От соотношений роста, ширины плеч и величины головы будет зависеть, верно ли ты передал пропорции.
      Принято считать, что в среднем рост человека равен приблизительно 8 величинам его головы.
      Пропорции тела человека по Леонардо да Винчи.
      Пропорции тела человека по Микеланджело.
      Есть и другие пропорции. Например, длина ног взрослого человека равна половине его роста, а колени находятся на середине всей длины ног.; Если мысленно разделить голову по высоте на три части, то глаза окажутся на верхней линии. (См. рис. на стр. 67.)
      Рисуя, надо все время видеть перед собой общие пропорции, а не отдельные части.
      Очень полезно делать наброски человека в движении, то есть когда он ходит, нагибается, бежит; стремись выразить при этом характер движения, общие очертания фигуры человека: худой он или толстый, длинные у него ноги или короткие.
      Сначала делай наброски спокойно сидящего человека — это легче. Разметь его пропорции, величину головы, длину ног. Все время сравнивай ширину плеч с высотой тела от талии до плеч, и так далее.
      Бывает так, что ребята нарисуют все пуговицы на пальто, а для головы не хватило места на листе бумаги. Может случиться и так: пока старался нарисовать шляпу, человек встал и ушел.
      Рисуя людей, очень важно понять строение человеческого скелета. Тебе нужны будут некоторые знания по анатомии.
      Увлекаться ею не следует, надо только иметь представление об основных частях скелета: как построен позвоночник, как к нему прикреплен череп, как прикреплены ноги к тазовым костям, кости рук к плечам.
      Посмотри: когда человек стоит, он или опирается на обе ноги, или центр тяжести перенесен на одну из ног. Наклон корпуса будет совершенно разный в обоих случаях. Посмотри также, как изгибается корпус человека при ходьбе.
      Все это необходимо знать. Тогда в твоем рисунке будет чувствоваться тело человека под складками материи, а не только его платье.
      У каждого человека своя особенная фигура и свое особенное лицо. Казалось бы, что у всех людей один нос и рот и два глаза. Тем не менее лпца людей разные.
      Почти у всех правая и левая стороны немножко отличаются друг от друга, но все же симметричное строение головы от этого не нарушено.
      Конечно, в портрете очень важно найти сходство, но сначала думай о том, чтобы верно «построить голову», как говорят художники. Проведи воображаемую линию через середину лба, носа и подбородка. По обе стороны этой линии ты будешь размещать глаза, рот, уши. (См. рис. вверху.)
      Не сосредоточивай все свое внимание на какой-то отдельной части лица, смотри и на другие. Рисуя нос, посмотри на форму уха, при изображении глаз не забывай про подбородок. Следи за тем, какое место занимает нос на лице. А глаза? Работая так, ты добьешься и сходства.
     
      В раннем детстве ты брал в руки кисть, макал ее в краску и с упоением рисовал на бумаге ярко-красное солнце с длинными лучами. Это занятие доставляло тебе большую радость.
      Теперь ты подрос и стал более требователен к своей работе. Тебе захотелось узнать, как правильно писать красками, чтобы то, что ты изображаешь, было похоже на натуру.
      Чтобы твои занятия шли успешно, тебе нужно познакомиться с некоторыми приемами, которыми пользуются художники, работая акварельными красками.
      Ты открыл коробку и увидел краски, лежащие в белых фарфоровых чашечках.
      Это акварельные краски. Их еще называют водяными, потому что они разводятся водой. «Аква» в переводе с латинского языка значит «вода».
      Акварель изготовляют так: сухой порошок красящего вещества растирается с каким-нибудь клеем, легко растворимым в воде, туда же добавляется мед и глицерин.
      Основное качество акварели — это ее прозрачность.
      В твоей коробке много красок, и вначале ты, наверное, станешь в тупик — как же ими работать?
      Давай немного разберемся в них.
      Желтая, красная и синяя краски называются основными, так как их нельзя составить путем смешивания с другими красками.
      Смешивая желтую краску с синей, ты получишь зеленую, желтая с красной даст тебе оранжевую, а красная с синей — фиолетовую.
      Поэтому зеленая, фиолетовая и оранжевая краски называются составными.
      Кроме этого, в живописи существуют еще так называемые дополнительные цвета. Это цвета наиболее контрастные, то есть противоположные друг другу.
      Например, малиновый цвет дополнительный к зеленому, красный к голубовато-зеленому, оранжевый к голубому, а желто-зеленый к фиолетовому. В каждой паре дополнительных цветов один цвет теплый, а другой холодный.
      Красные, оранжевые и желтые — это теплые. Синие, сине-фиолетовые, голубые, голубоватозеленые — холодные.
      Зеленый цвет, между прочим, может быть и теплым и холодным. Это зависит от того, какого цвета в нем больше — синего или желтого. Также и серый цвет — от добавления синего или желтого он может быть либо теплым, либо холодным.
      Существует очень любопытное явление: если два дополнительных цвета положить рядом, то от соседства друг с другом их яркость усиливается. Один и тот же красный цвет станет ярче рядом с зеленым, а около оранжевого он покажется нам менее ярким. Чтобы белый казался еще белее, надо рядом положить черный цвет.
      Когда художник хочет усилить оранжевокрасный свет от горящей лампы, он пишет окружающие предметы, находящиеся в тени, в голубовато-синих и голубовато-зеленых тонах.
      Современники рассказывают, что французский художник Делакруа долго работал над желтой тканью в картине и никак не мог добиться, чтобы она была яркой. Однажды, идя по улице, он увидел коляску канареечного цвета. Она выделялась ярким пятном на окружающем лиловом фоне. Он бросился в мастерскую, чтобы сейчас же перенести увиденное на полотно. И желтый цвет загорелся на его картине. Это закон усиления цвета от соседства с дополнительным цветом.
      Для начала тебе нужно иметь немного красок. Вот какие необходимы:
      1. Кадмий желтый,
      2. Охра светлая,
      3. Кадмий оранжевый,
      4. Алая,
      5. Кармин,
      6. Сиена натуральная,
      7. Сиена жженая,
      8. Умбра натуральная,
      9. Нейтральная черная,
      10. Изумрудная зеленая,
      11. Ультрамарин,
      12. Кобальт голубой.
      Все остальные оттенки красных, желтых, зеленых, синих, коричневых ты будешь получать, смешивая эти краски.
     
      КАКИЕ НУЖНЫ КИСТИ
      Кисти для акварели изготовляются из хвостов хорька, белки или маленького зверька — колонка. Хорошая кисть должна быть упругой. Когда ее намочишь, кончик кисти делается острым.
      Все это нужно для работы акварельными красками.
      Кисти бывают разной величины. Различаются они по номерам. Тонкие кисти — от 1-го до 8-го номера, средние — от 9-го до 13-го, а большие — от 14-го до 20-го номера.
      Большими кистями лучше покрывать большие плоскости, а тонкие нужны для более детальной работы.
     
      СНАЧАЛА РИСУНОК
      Любую работу акварелью — натюрморт, пейзаж или портрет — надо начинать с рисунка. Не нажимай сильно на карандаш, пусть линии твоего рисунка будут легкими. Если понадобится стереть линию резинкой — рисунок не. запачкается. Такой предварительный рисунок должен лишь наметить общие очертания предмета. После этого начинай писать красками.
      На кисть бери столько краски, чтобы она свободно стекала на бумагу. Если на кисти будет слишком много краски, то на рисунке останутся брызги и пятна.
      Если краска разведена достаточно жидко и кисть впитала ее столько, сколько она может впитать, тогда мазок ляжет красивым пятном, — как говорят художники, будет «сочным».
      Чем больше воды ты будешь прибавлять в краску, тем светлее получится тон. Если ты кладешь легкий слой краски, то бумага, просвечивая сквозь него, Делает тон еще более светлым.
      Если ты положил цвет неправильно, то его можно смыть водой, пока он сырой. Но при этом ты рискуешь повредить другие места на своем
      рисунке. А высохшие акварельные краски смыть нельзя. Поэтому лучше работать кистью с осторожностью, обдумывая и бережно кладя каждый мазок.
      Существует много различных приемов в работе акварелью. Один из них — многослойный, когда краска накладывается несколько раз на одно и то же место до тех пор, пока не добиваются нужного тона. Причем каждому слою сначала дают просохнуть. Но не увлекайся накладыванием слоев. Помни, что краски от этого теряют свою прозрачность и свежесть. С особенным вниманием надо относиться к светлым тонам, их трудно переделывать.
      Составить тон можно иногда сразу на бумаге.
      Например, чтобы сделать теплее цвет листвы, на легкий зеленый высохший слой кладут прозрачно-желтый цвет.
      Для того чтобы добиться незаметного перехода в красках, делают так: накладывают нужный тон и, когда он еще не просох, накладывают соседний рядом, немного захватывая и первый. Краски сольются друг с другом, создавая мягкий переход и расплывчатые очертания. Таким способом хорошо писать пейзажи, особенно в туманный день.
      Если ты хочешь, чтобы вся площадь рисунка была без отчетливых контуров, предварительно слегка смочи лист бумаги водой и пиши по сырому.
      Можно соединить оба эти приема. Например, когда ты работаешь над пейзажем, пиши деревья и дальний план по сырому, а потом стволы деревьев пиши уже по просохшему слою краски.
     
      НАТЮРМОРТ АКВАРЕЛЬЮ
      Для начала, как и в рисунке, попробуй свои силы на несложном натюрморте. Для первых работ не бери прозрачную стеклянную посуду — писать ее трудно. Возьми, например, эмалированную кастрюльку, чашку или глиняный кувшин. Рядом положи овощи или фрукты. Бери не больше двух-трех предметов, разных по величине, форме и цвету, но хорошо сочетающихся между собой. Подбери для них фон, на котором они будут красиво выделяться. Лучше всего подходит светлый фон — он не мешает смотреть на натюрморт. Очень приятный фон дает фанера.
      Составляя натюрморт, подумай о том, чтобы в нем было содержание и смысл. Разное время года подскажет тебе и разные темы для натюрмортов.
      Зимой ты большей частью будешь пользоваться предметами, окружающими тебя дома.
      Тоненькая веточка вербы с жемчужными пушистыми комочками для нас всегда олицетворение весны. Поставь на стол несколько веточек в стакан с водой или в глиняную банку. Постарайся передать пушистость почек вербы и их весеннюю нежность. Летом интересно писать букеты полевых или садовых цветов. А осенью так хороши и ярки осенние цветы, овощи, фрукты, грибы!
      Ты уже знаешь, что на всех предметах лежат тень и свет. Присмотрись и найди самые темные и самые светлые тона. С них начинай работу, притом одновременно.,
      Составь тон на белой тарелке. Найдешь — клади его на рисунок. Можешь сначала попробовать его на кусочке бумаги — нравится ли он тебе.
      Когда ты подбираешь тон для какого-то места, то все время сравнивай его с соседними тонами в натюрморте: холоднее он или теплее, светлее или темнее.
      Нельзя писать натюрморт по частям: сначала написал один предмет, потом другой. Надо писать все сразу.
      Следи за тем, чтобы на твоей картине не было несколько тонов одинаковой освещенности или темноты, такой натюрморт будет пестрым. Ты яснее увидишь, что темнее и что светлее в натюрморте, если сделаешь сначала несколько рисунков одним цветом. Например, черной тушью, разбавленной водой до серого цвета.
      Твоя задача при работе красками не только подобрать отдельные цвета, но, главное, добиться того, чтобы они сочетались между собой.
      Если ты положил на рисунок один тон, то еще не можешь сказать, что нашел его. Только подобрав два-три тона, ты увидишь, удалось ли тебе его найти.
      Наш глаз устроен так, что мы видим сразу не один предмет, а несколько. Смотря на натюрморт, мы видим фон, на котором он стоит. Фон и освещение отражаются на натюрморте, изменяя цвет предметов. Об этом не надо забывать во время работы.
      Когда все тона на рисунке будут найдены, можно приступить к более детальной работе над отдельными частями. Но, как ты помнишь, не все
      детали нужны, и писать их надо так, чтобы они не вырывались и не нарушали единства впечатления. Из всего многообразия деталей художник отбирает в натуре только самое важное и характерное.
     
      ТЕНЬ, СВЕТ, РЕФЛЕКС И БЛИК
      Многие ребята думают, что тень — черная, и так и рисуют ее черной краской. Но это совершенно неверно.
      Перед тобой на столе стоит кувшин. Свет, падающий из окна, освещает его с одной стороны, другая часть в тени. Это собственная тень, она лежит на самом предмете. Какого она цвета? Основа ее — цвет предмета, но немного измененный оттого, что он затемнен.
      От кувшина на стол ложится тень. Ее называют падающей. Она будет такого же цвета, как стол, но только темнее.
      Бывает так, что тень не просто стала темнее, а в ней появились совсем другие цвета.
      Это произошло оттого, что на нее повлиял отраженный свет от соседних предметов — рефлекс.
      Как ты знаешь, все предметы обладают способностью отражать свет. Чтобы ясно представить себе это явление, проделай такой опыт. Поставь перед окном белую чашку. Потом с теневой стороны ее поставь лист красной бумаги, но так, чтобы он был хорошо освещен. Ты увидишь, что теневая сторона чашки приобретет красный оттенок.
      В тенях существует большое цветовое разно-
      образие. Они могут быть холодней или теплей, чем цвет самого предмета, и это зависит от освещения.
      Так же и со светлыми тонами. Их вовсе не надо писать белилами, и здесь поищи цвет предмета.
      Между тенью и светом лежат полутени.
      Почти у всех предметов более выпуклые места освещаются сильнее. И на них всегда есть небольшой участок, а иногда просто точка, освещенная сильнее всего. Это блик.
      Блик может быть и на очень светлом, и на совсем темном предмете.
      На предметах в комнате, освещенных лучом света из окна, блики очень часто имеют форму окна.
     
      ПЕЙЗАЖ АКВАРЕЛЬЮ
      Что надо взять с собой, уходя на этюды? Доску с наклеенной на нее бумагой или альбом для рисования, краски, баночку для воды, кисти, тряпку для вытирания кистей.
      Кисти, карандаши и резинку можно положить в специально сшитый мешочек.
      Если у тебя есть складной стульчик, возьми его. Коробку с красками можно использовать как палитру.
      Часто акварельные краски продаются в черной блестящей металлической коробке, снизу которой укреплено кольцо. В него продевают большой палец, и коробка лежит на руке, как палитра. На внутренней стороне крышки три углубления. Они служат для смешивания красок.
      Ты можешь сложить краски в любую коробку, а вместо палитры использовать обыкновенную белую тарелку.
      Кистей много не бери.
      Возьми одну большую — 14-й или 16-й номер, ими легко покрывать большие плоскости. А для деталей возьми среднюю и маленькую кисти — № 12 и № 6.
      Наконец ты все приготовил и пришел на какое-нибудь место, которое тебе понравилось. Может быть, ты приглядел его накануне. Не начинай работать сразу. Сядь и подумай сначала, как разместить пейзаж на листе бумаги. Потом нарисуй его карандашом легкими линиями. Не торопись. Пусть рисование займет у тебя даже весь первый день — это не страшно. Когда у тебя будет больше практики, ты сможешь делать рисунок за 30 — 40 минут.
      И вот наступает чудесный момент, когда, предвкушая радость, которую тебе дадут краски, ты берешься за них.
      Очень часто ребята покрывают и листву дерева, и траву, и лес вдали одной и той же зеленой краской, первой попавшейся, иногда даже ядовито-зеленой. А на самом деле в природе существует огромное разнообразие оттенков.
      Прежде чем начать работать красками, ты должен посмотреть, какой перед тобой пейзаж — светлый или затененный.
      В природе мы видим не только цвет того или Иного предмета, но и то, как он освещен. Свет играет в пейзаже очень большую роль. Вот ты стоишь на пригорке в пасмурный день. Небо свинцово-темное, низко бегут облака, листья деревьев и трава тусклого, серого оттенка. Вдруг выглянуло солнце — и тут же все изменилось. Трава засверкала сочным изумрудным цветом, на листве заиграли блики солнца, зарозовели стволы берез. Словом, все сказочно преобразилось.
      А наблюдал ли ты когда-нибудь закат? Солнце уже садится, и все вокруг стало окрашиваться в теплые красноватые тона: и земля, и деревья, и крыши домов.
      Цвет неба тоже очень меняется в зависимости от погоды. В ясный день небо синее-синее и может быть даже темно-синим, а в дождливый день оно светлее — оттого, что воздух насыщен каплями воды и водяными парами. Небо бывает и нежно-розовым на заре.
      Чтобы у тебя в пейзаже получилось ощущение воздуха и пространства, нужно все время сравнивать первый и второй план.
      Первый план — это предметы, расположенные близко к нам. Как ты уже знаешь, по законам перспективы они кажутся нам больше, чем те, что вдали от нас. Очертания их четкие и ясно видимые. Второй план — это все, что находится за первым. Отличаются оба плана друг от друга также и по цвету. Предметы первого плана обычно более теплых тонов. Чем дальше от нас предмет, тем светлее и холоднее его цвет, а очертания менее четки. Ты уже знаешь, что это закон «воздушной перспективы».
      Так же как и в работе над натюрмортом, ты можешь начать свой пейзажный этюд с самых светлых и самых темных мест. И так же работай над всем этюдом сразу, не увлекаясь одним ка ким-нибудь местом.
      Этюд твой будет тогда хорош, когда ты правдиво передашь то, что увидел. Но передашь не с точностью фотоаппарата, а уловишь самое характерное, самое интересное по-твоему. Именно по-твоему.
      Каждое время года имеет свою неповторимую прелесть.
      Первое дыхание весны мы ощущаем в тех потоках света, которые, начиная со второй половины февраля, заливают поля и луга, леса и улицы. Каждое дерево расцветает своим цветом. Среди желто-зеленых листьев берез холодным сине-зеленым пятном выделяется еловая хвоя. А дуб покрывается еще более желтой, с оранжевым оттенком листвой.
      Летом зелень становится холодного синеватого оттенка, и меньше видна разница между березой, ольхой или дубом. А осенью сколько оттенков зеленого, желтого и красного цветов в листьях и в траве!
      Старайся разнообразить композицию пейзажей. Иногда бери широкий вид на поля, а иногда небольшой кусочек леса. Попробуй нарисовать речку или пруд. В середине реки цвет воды светлее, а у берегов темнее — в ней отражаются берега и деревья. Эти отражения необычайно красивы, и на одном из этюдов можно написать только их.
      Конечно, зимой слишком холодно, чтобы писать на воздухе. Но ты можешь тепло одеться и
      сделать в альбоме несколько быстрых карандашных набросков с натуры: дорогу, улицу города или села. Постарайся запомнить цветовые отношения, Используя эти наброски дома, ты закончишь их в красках уже по памяти.
      Многие художники так и работают. Они рисуют этюды с натуры, а потом в мастерской создают законченное произведение.
      А вот из своего окна ты можешь и зимой писать картины прямо с натуры. Интересно написать фигуры людей на снежной дороге или улице села.
     
      КАК РАБОТАТЬ - БЫСТРО ИЛИ МЕДЛЕННО?
      Быстро или медленно надо работать? Этот вопрос часто интересует ребят. Работать надо и так, и так.
      Очень полезны быстрые цветовые наброски-художники их называют нашлепками. Работая над пейзажем, ты вдруг заметил красиво освещенные тени от облаков, бегущие по земле солнечные блики. Но в природе часто все мгновенно меняется. Чтобы сохранить увиденное, постарайся сделать быстрый контур прямо красками и тут же начинай писать широкими мазками, лишь бы запечатлеть основные цветовые отношения. А над длительным этюдом работают по нескольку часов, не спеша, тщательно обдумывая каждый мазок.
      Летом лучше всего работать красками утром до полудня и в вечерние часы до заката.
      В пасмурный день пейзажи можно писать долго. Тут и за четыре часа мало произойдет перемен. А в солнечные дни, особенно после полудня, все меняется очень быстро и больше часа-двух писать тебе не удастся. Но ты можешь на следующий день прийти на это же место в те же самые часы и продолжить начатый этюд.
     
      ГУАШЬ
      В отличие от акварели при изготовлении гуаши в красящее вещество добавляется не только клей, но и белила. Поэтому гуашь не прозрачна. Она покрывает поверхность бумаги плотным, ровным слоем и удобна при закраске больших плоскостей. Закрашенную плоскость можно с легкостью перекрыть другим цветом. В этом преимущество гуаши. Надо только помнить, что, когда гуашь высыхает, она меняет свой цвет — становится светлее.
      У гуаши матовый, бархатистый тон. Ею очень хорошо писать декоративные работы — панно, плакаты, орнаменты.
     
      ПАСТЕЛЬ
      Слово «пастель» происходит от итальянского «пастелло» — «паста», что значит «тесто». И для нее действительно приготавливают тесто из краски, мела и связующего вещества, а затем изготовляют небольшие мягкие цветные палочки толщиной в карандаш. Продается она набором в коробках.
      Пастель дает мягкий, бархатный тон. Ее кладут штрихами, которые можно растушевывать, а можно и оставлять штрихи, самые разнообразные по цвету. Рисовать пастелью лучше на шероховатой бумаге серого и желтоватого тона. Пастель очень легко осыпается, и поэтому, окончив работу, рисунок необходимо зафиксировать. Фиксируют ее так же, как и уголь.
     
      КТО ПЕРВЫЙ УСОВЕРШЕНСТВОВАЛ МАСЛЯНЫЕ КРАСКИ
      средние века люди писали в основном клеевыми красками на деревянных досках. В начале XV века в Нидерландах жили художники братья ван Эйки. Нам почти ничего не известно о жизни старшего брата, Губерта ван Эйка. А о младшем — Яне ван Эйке мы располагаем большими сведениями.
      Ему принадлежит замечательное открытие в области технологии живописи. Чтобы придать краскам блеск, Ян ван Эйк проделывал опыты,
      покрывая картины различными лаками и маслами, и вскоре обнаружил, что льняное масло очень быстро сохнет. Он стал смешивать сухой красочный порошок с этим маслом и увидел, что, высохнув, эти краски становятся прочными, им не вредит вода и поверхность у них блестящая. Такими красками легче было работать. Это изобретение Яна ван Эйка быстро распространилось среди художников разных стран.
     
      ХОЛСТ НАДО ГРУНТОВАТЬ
      Масляными красками можно работать на многих материалах: на холсте, картоне, дереве, металле. Но лучше всего на предварительно загрунтованном холсте.
      Все это понадобится, чтобы загрунтовать холст и натянуть его на подрамник.
      Если ты будешь писать на незагрунтованном холсте, то краски скоро потеряют свой цвет, они «пожухнут», как говорят художники. Кроме того, масло, которое содержится в красках, проедает холст.
      Известны несколько способов грунтовки, но ты прочтешь дальше о двух самых распространенных.
      Хорошо грунтуется льняной или пеньковый холст. Надо, чтобы он был плотным и гладким, без узелков.
      Холст, который ты выбрал для своей работы, натяни сначала на деревянный подрамник. Если ты не сможешь купить готовый подрамник, то постарайся сделать его сам.
     
      КЛЕЕВОЙ ГРУНТ
      Возьми полтора стакана воды, положи туда 15 граммов столярного клея, пять граммов меда или глицерина. (Этого количества достаточно, чтобы загрунтовать квадратный метр холста.) Полученную смесь подогрей до полного растворения клея. Готовый состав наноси на натянутый холст щеткой или большой плоской кистью, какие ты видишь у маляров. Таким способом ты нанесешь два слоя, причем каждый слой надо просушивать. Только не суши на солнце или у печки — этим ты все испортишь. Следи за тем, чтобы слой грунта был тонким, все время снимай ножом излишки его. Холст с толстым слоем дает трещины.
      Затем в оставшийся у тебя состав влей полстакана теплой воды и положи 2 столовые ложки еухих цинковых белил или мела. Этой смесью покрой холст еще 2 — 3 раза, так же просушивая каждый слой.
     
      ЭМУЛЬСИОННЫЙ ГРУНТ
      Для того чтобы загрунтовать 1 квадратный метр холста, нужно: один стакан воды, 8 граммов клея, 20 граммов масла и 100 граммов сухих белил.
      В четверть стакана воды положи клей. Воду с клеем подогрей до полного размокания в ней клея. Туда же добавь масло. Полученную смесь сбивай палочкой или ложкой, пока вся масса не загустеет и не станет похожей на тесто. Влей в эту массу три четверти стакана горячей воды и добавь белила. Очень тщательно все размешай и полученную эмульсию нанеси щеткой на натянутый холст 2 — 3 раза.
      Загрунтованный холст не держи в сыром помещении, потому что холст впитывает влагу и обвисает. Если ты хочешь загрунтовать фанеру, наклей на нее сначала марлю, а после этого покрывай клеем, как и холст.
      Картон или бумагу обязательно загрунтовывай сначала двумя слоями жидкого раствора клея, а потом еще одним слоем клея с белилами.
     
      КАКИЕ НУЖНЫ КИСТИ
      Для работы масляными красками нужны плоские щетинные кисти — большие для больших плоскостей и маленькие для деталей. Для
      деталей можно брать также небольшие круглые колонковые кисти.
      После работы обязательно мой кисти в теплой воде с мылом.
     
      А КАКИЕ КРАСКИ?
      Наши фабрики выпускают большое количество красок разного цвета. (...)
     
      ДРУГИЕ МАТЕРИАЛЫ
      Когда ты пишешь масляными красками, добавляй в них специальный разбавитель или лак для живописи. И тот и другой продаются в магазинах. Если в магазине их не найдешь, то возьми отбеленное льняное масло. Чтобы отбелить масло, его надо налить в стеклянную посуду и держать на свету в течение 2 — 3 месяцев. Если нет льняного масла, можно взять любое растительное. Не слишком только увлекайся прибавлением масла, потому что от большого его количества краски могут потемнеть.
     
      ОСОБЕННОСТИ МАСЛЯНЫХ КРАСОК
      Работая масляными красками, ты легко можешь переделать неудавшееся место, если оно еще не высохло. Специальным инструментом —
      мастихином — или простым ножом сними ненужную краску. Когда же остальные краски на твоем холсте высохнут, начинай писать неудав-шееся место заново. Сохнут масляные краски день, два, а то и больше, в зависимости от влажности воздуха, толщины красочного слоя и состава краски. Белила и краплак сохнут дольше.
      Нужный тебе цвет смешивай на палитре, а потом клади на холст. Если ты хочешь, чтобы краски скорее просохли, добавь в них немного лака.
      Работу, как всегда, начинай с рисунка. Пишешь ли ты пейзаж или натюрморт — все предметы нарисуй сначала карандашом или углем. Чтобы уголь не пачкал холста, обведи рисунок жидко разведенной масляной или акварельной краской. После этого уголь смахни тряпкой.
      Не клади сразу густой слой краски, потому что потом этот слой будет тебе мешать. Когда весь холст слегка покрыт красками и все цвета найдены, тогда в светлых местах слой краски можно делать более плотным. Большие художники часто писали тени прозрачно, жидко, а светлые места густыми мазками.
      Преимущество масляных красок еще и в том, что они позволяют брать цвет в полную силу сразу: ярко и сочно. При работе смело находи сочетание цветов.
      Помни, что главное в твоей фаботе — это учиться видеть. Многие ребята думают, например, что лицо и руки у всех людей розовые, и так и пишут. А ты присмотрись: у каждого человека CBoii цвет кожи. Есть лица землисто-серые, желтые, красные. Также и цвет рук у каждого человека разный. Глаз, как и слух, можно и нужно развивать. Изощренный глаз художника видит самые тонкие оттенки белого цвета. Вспомни снег в картине Сурикова «Боярыня Морозова».
      Да ты и сам пойди на лыжах в лес ярким мартовским днем. Ты увидишь голубые и синие тени, падающие от деревьев на снег. Это рефлексы синего неба. В ясный зимний день лес весь пронизан светом и рефлексами.
      А в густом еловом лесу тени сгущаются и становятся почти лилового цвета.
      Если резинка, которую ты купил в магазине, жесткая, то стирать ею очень неудобно. Положи ее в керосин на два-три дня. После этого вынь, вытри и кипяти в воде, пока она не перестанет пахнуть керосином.
     
      КАК ПРИГОТОВИТЬ УГЛИ ДЛЯ РИСОВАНИЯ
      Возьми два-три десятка прямых веточек березы толщиной в карандаш и длиной в 10 — 12 см. Очисть их от коры, свяжи проволокой небольшими пучками и положи в металлическую коробку. Коробку доверху наполни сухим песком. Затем плотно закрой крышкой и замажь глиной все
      швы. После этого положи коробку в печь. Когда печь истопится, коробку осторожно вынь, остуди и открой — угли готовы.
     
      КАК СДЕЛАТЬ ФИКСАТИВ
      Ты уже узнал, что рисунки углем, пастелью или сангиной очень непрочны и их обязательно надо закреплять или фиксировать специальной жидкостью, называемой фиксативом. Фиксатив продается в магазинах, но можно сделать его и самому. Вот несколько рецептов:
      1) нежирное коровье молоко процедить через марлю и смешать с водой;
      2) желатин растворить в горячей воде и влить туда винный спирт или денатурат. На одну часть желатина добавляют 5 — 10 частей спирта;
      3) бесцветную политуру для полировки мебели смешать с винным спиртом или денатуратом (две части спирта на одну часть политуры).
      Все эти смеси годятся для закрепления угля, карандаша, сангины и пастели.
      Пастель можно фиксировать и чистой водой, так как в составе пастели есть клей. Под влиянием воды клей размокает и крепче связывает пастель с бумагой.
     
      МАСЛЯНЫЙ ЛАК
      Высохшие места, которые ты захочешь переписать, протри слегка тонким слоем масляного лака. Тогда краски будут хорошо соединяться с картиной.
      Такой масляный лак ты можешь приготовить летом. Налей растительное масло (льняное, ореховое) на блюдечко тонким слоем и поставь на солнце. Через 2 — 3 дня у тебя будет готов лак, который ты сольешь в бутылку.
     
      СКЛАДНОЙ МОЛЬБЕРТ
      Перед тобой рисунок складного Складной мольберт. мольберта, который ты можешь сделать сам, если умеешь немного столярничать.
      Мольберт состоит из трех деревянных ножек с острыми концами, прикрепленными к доске с помощью шарниров. К верхнему краю доски прикрепляется на шарнире приспособление, которое удерживает подрамник с холстом в наклонном положении.
      Мольберт должен быть легким. Тогда ты сможешь работать на нем не только дома, но и брать его с собой, уходя на этюды.
      Весь мольберт, а также отверстия в подставке надо делать по своему росту. Будет одинаково неудобно писать и на слишком высоком, и на слишком низком мольберте.
      На колышки, воткнутые в отверстия, как показано на рисунке, ставится подрамник с натянутым холстом.
     
      СКЛАДНОЙ ЭТЮДНИК
      Складной этюдник лучше всего делать из липовой или ольховой фанеры. Толщина ее должна быть 3 миллиметра.
      Вырежь две доски Складной этюдник. размером 27x21,5 сантиметра. По краям одной из досок набей планки шириной 1,5 и толщиной 0,5 сантиметра. Это необходимо для того, чтобы твои этюды не прилипли к доске, когда ты закроешь этюдник.
      Теперь обе доски соедини друг с другом небольшими петлями.
      К внутренней стенке этюдника прикрепляется бумага или холст, в зависимости от того, будешь ли ты писать акварельными или масляными красками. (См. рис. вверху.)
     
      АЛЬБОМ
      Альбом ты можешь купить в магазине, но можешь сделать и сам.
      Делается он так. Нарежь плотную белую бумагу на листы нужного тебе размера. Аккуратно сложи их вместе на лист картона такой же величины. Оклей края сложенных вместе листов полоской материи или марлей. Один уголок оставь необклеенным. С этого угла ты начнешь отрывать готовый этюд или набросок.
      Альбомов сделай два. Один большой, для этюдов, размером 30X40 сантиметров, и маленький, для набросков, 15X20 сантиметров.
     
      ЭТЮДНИК ДЛЯ КРАСОК И КИСТЕЙ
      Когда художник отправляется на этюды, ему нужно взять с собой очень много вещей: краски, кисти, палитру, грунтованный холст.
      Для всех этих материалов надо смастерить удобный этюдник. (См. рис. внизу.)
      Прежде всего этюдник должен быть легким. Поэтому делать его лучше всего из тонкой фанеры. Размеры его такие: =4 длина — 40 сантиметров,
      ширина — 25 сантиметров, Мастихин. высота — 8 сантиметров,
      из которых три сантиметра идут на крышку. Нижняя часть этюдника делится на несколько частей тонкими перегородками. (См. рис. на стр. 97.) Здесь лежат тюбики с красками, а в одно отделение вставляется плоская металлическая банка, в которую наливается разбавитель.
      Одна из перегородок должна быть во всю длину этюдника. Это отделение для кистей.
      На крышке делается приспособление, которое удерживает ее в перпендикулярном положении по отношению к нижней части. Крышка устроена так, что ее передний край отбрасывается, и тогда в пазы, сделанные в боковинах крышки, можно вставить две дощечки. К дощечкам кнопками прикрепляется загрунтованный холст или картон.
      Работая с натуры, художник садится на складной стул, а этюдник кладет к себе на колени.
     
      ПАЛИТРА
      На рисунке (см. рис. на стр. 90) ты видишь наиболее удобный вид палитры.
      Такую палитру нетрудно сделать самому из фанеры. Не забудь вырезать отверстие для большого пальца. Вырезанную палитру хорошенько протри наждачной бумагой и пропитай растительным маслом. На верхний край палитры выжимают краски из тюбиков. Большинство
      художников располагают их следующим образом: белила, желтые краски, красные, синие, зеленые, коричневые и черные. Остальная площадь палитры служит для смешивания красок.
      После работы палитру обязательно надо почистить ножом или мастихином. (См. рис. на стр. 98.) Когда ты счистишь краски с палитры, протри ее дочиста тряпкой, смоченной в скипидаре или керосине.
      Мы узнали с тобой о главных законах живописи, узнали, как трудятся художники, создавая картины, что они стремятся выразить в них.
      Но это только твое первое знакомство с искусством. Чем больше ты будешь смотреть произведений художников и читать о них, тем понятнее тебе будет язык искусства и тем большую радость будут доставлять тебе картины.
      Конечно, ребята, живущие в городах, могут пойти в музеи, в картинные галереи и там любоваться произведениями искусства. Ну, а те ребята, которые живут в маленьких городках или селах, где нет музеев? Разве им закрыт путь к искусству? Ничуть. Им помогут книги, в которых рассказывается о жизни и творчестве художников, помогут репродукции с картин.
      Многие школы устраивают выставки репродукций. Их очень хорошо называют: Малые Третьяковские галереи.
      А знаешь ли ты, как возникла Третьяковская галерея?
      Больше чем сто лет назад Третьяковскую галерею основал Павел Михайлович Третьяков, который страстно любил русскую живопись. В то время было много богатых коллекционеров, собиравших картины, но они это делали только для себя, для украшения своих особняков и дворцов., Павел Михайлович с самого первого дня знал, что собирает коллекцию картин для народа. В те-
      Третьяковская галерея.
      чение сорока лет он покупал у художников всё самое лучшее, самое талантливое, что они создавали. В 1892 году Третьяков принес в дар Москве свою замечательную коллекцию.
      Теперь в залах Государственной Третьяковской галереи размещено свыше 35 тысяч произведений искусства. Любоваться ими приходят миллионы людей.
     
      КАК ОКАНТОВАТЬ
      Если ребята решили устроить у себя в школе Малую Третьяковскую галерею, то надо, чтобы школьники сами занялись собиранием репродукций.
      Вот у вас наконец собрана большая коллекция.
      Но, прежде чем делать выставку, репродукции следует хорошо окантовать. Сначала их надо .аккуратно подрезать со всех четырех сторон. Затем берется лист белой плотной бумаги и в нем вырезается отверстие для репродукции с таким расчетом, чтобы вокруг нее были белые поля. Ширина пблей делается по вкусу. Такой лист бумаги с вырезанным окошком называется паспарту. Репродукция накладывается на паспарту с обратной стороны и приклеивается по уголкам узенькими полосками тонкой бумаги.
      По размеру паспарту вырезается стекло и лист тонкого картона. На картон кладется паспарту с рисунком, а сверху стекло. По длине четырех сторон стекла нарезаются полоски из светлой бумаги, коленкора или дерматина тоже светлых тонов. Ширина полосок 3 — 4 сантиметра.
      Полоски смазываются столярным клеем и наклеиваются по краям стекла на ширину 6 миллиметров, загибаются и прикрепляются к задней картонной стенке. Так постепенно обклеиваются все четыре стороны. Если клей где-нибудь запачкал окантовку или стекло, его надо немедленно стереть чистой мокрой тряпочкой. Незастывший клей легко стирается.
      К верху задней стенки окантованного рисунка надо приклеить 2 колечка или ушки из материи. Ушки приклеиваются к картону полосками бумаги, сложенной в 2 — 3 слоя. Еще лучше пропустить такие ушки через отверстие в картоне и приклеить их заранее к той стороне его, которая будет прилегать к репродукции.
      Во время работы столярный клей должен быть всегда теплым. Для этого банку с клеем ставят в кастрюлю с водой и держат на слабом огне.
     
      КАК РАЗВЕСИТЬ ВЫСТАВКУ
      Теперь наступает самый ответственный момент — это развеска репродукций, или, как принято говорить, экспозиция выставки.
      От того, как повесить картины, зависит многое. Можно развесить все имеющиеся репродукции подряд, но вряд ли такая выставка будет хорошо выглядеть и принесет пользу.
      Лучше, когда выставки разнообразны по теме. Но можно посвятить ее и одной какой-нибудь теме или одному художнику, в зависимости от того, каких репродукций вам удалось собрать больше. Можно показать произведения художников какой-нибудь эпохи. Например, художников второй половины XIX века или советских художников. Можно открывать выставки к знаменательным датам.
      Конечно, ребятам, которые будут устраивать выставку, надо проявить художественный вкус. Нехорошо, если формат и колорит одной картины не подходит к соседней, «спорит» с ней. В каждой экспозиции должен быть какой-то центр — либо самая большая, либо самая интересная картина по своему содержанию, или, наконец, важная по теме.
      И вот экспозиция выставки готова, ее торжественно открыли, а потом... Вот если не будет «потом», если про выставку забыли и она стала покрываться пылью, то открывать ее, пожалуй, не стоило.
      Главное назначение выставки — это познакомить с искусством. Возможно, что в школе есть ребята, уже полюбившие его. Пусть они организуют кружок искусствоведения и расскажут своим товарищам о жизни и творчестве отдельных художников. Можно также подготовить нескольких ребят — экскурсоводов по выставке.
      Кроме того, выставка поможет школьникам глубже понять то, что они изучают на уроках литературы и истории, расширит их знания.
      Около Малой Третьяковской можно сыграть в викторину по изобразительному искусству. Надо только заранее придумать интересные вопросы.
      Выставки можно устраивать не только по репродукциям картин, имеющихся в Третьяковской галерее. Надо знакомиться с античным искусством, с западной живописью, с произведениями лучших художников мира.
      Интересно показать историю какого-нибудь жанра: как писали художники в эпоху Возрождения, в XVII и XVIII веках и как они пишут сейчас.
      В вашей Малой Третьяковской галерее может быть и такой раздел: «Сказки». Попробуйте устроить специальную выставку «Наши сказки» для школьников младших классов. Малыши очень любят сказки, и им будет интересно и полезно познакомиться с искусством художников-сказочников.
      Это будут в основном репродукции картин Виктора Михайловича Васнецова. Многие из ребят знают, наверное, его картины: нежную, трогательную Аленушку, тоскующую у лесного ручья, Ивана Царевича, скачущего с царевной на сером волке, могучих «Богатырей».
      Художник Михаил Васильевич Врубель написал по мотивам замечательного произведения А. С. Пушкина «Сказка о царе Салтане» необычайно поэтичную и таинственную картину «Царевна Лебедь». (См. иллюстрацию XXI.)
     
      КРУЖОК В ШКОЛЕ
      Если ты сам занимаешься рисованием, если ты полюбил искусство, то постарайся, чтобы и твои товарищи полюбили его. Очень важно, что-
      бы все ребята научились любить искусство, и ваш маленький искусствоведческий кружок, который вы организовали, сможет очень много сделать для этого.
      Вероятно, некоторые школьники в вашем искусствоведческом кружке сами любят рисовать. Эти ребята могут выпустить для своей школы интересную стенгазету с красиво нарисованными заголовками, с веселыми карикатурами.
      А как пригодится умение рисовать во время подготовки к различным праздникам. Ведь всем ребятам хочется, чтобы школа в эти дни выглядела особенно торжественной и нарядной.
      В городах, в Домах пионеров ежегодно устраиваются выставки детских рисунков. Но прежде чем послать свои рисунки в Дом пионеров, устройте выставку у себя в школе.
      Чтобы привлечь к выставке всех желающих в ней участвовать, повесьте заранее объявление, укажите срок открытия выставки, чтобы каждый успел к ней подготовиться.
      Просматривая работы, обращайте внимание на то, сколько лет их авторам. Рисунки малышей очень отличаются от рисунков более взрослых ребят. Но на выставке должны быть представлены и те и другие.
      Отвергайте все копии с картин и открыток — это не творческая работа. Заранее предупредите об этом ребят.
      Все принятые рисунки надо наклеить на лист белой бумаги такого размера, чтобы остались большие поля. При наклейке слегка смазывайте клеем только одни уголки, ни в коем случае нельзя смазывать весь рисунок.
      Под рисунком в углу на полях напишите
      название работы, фамилию, имя и возраст автора.
      Чтобы не прибивать к стене каждый рисунок (это испортит стену), прикрепите к ней длинные узкие деревянные рейки в два ряда. К рейкам вы будете прикреплять кнопками верхний и нижний края листов бумаги, на которых наклеены рисунки.
      Не забудьте поставить цветы или просто веточки деревьев в классе или школьном зале, где развешана выставка.
      Через некоторое время вага кружок должен собраться, чтобы определить авторов лучших работ.
      А потом можно позвать гостей и торжественно вручить победителям премии.

|||||||||||||||||||||||||||||||||
Распознавание текста книги с изображений (OCR) — творческая студия БК-МТГК.